6—21 МАЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

6 МАЯ / 18:30—20:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

• Авторские экскурсии: 7 и 8 мая в 16:00
• Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Елизавета Наркевич обращается к исследованию Владивостока в период его закрытого советскими властями статуса, задаваясь вопросом, от кого город был закрыт в течение сорока лет и как это повлияло на его жителей. С одной стороны, это место было дальневосточным «окном в мир» — именно отсюда многие суда уходили в длительные международные рейсы, а у советских людей была редкая для того времени возможность побывать за рубежом. С другой стороны, «закрытость» города зачастую не позволяла попасть сюда даже гражданам СССР из других городов, если они не работали во Владивостоке или не имели местной прописки и приглашения от жителя. Художница ищет следы того периода в воспоминаниях свидетелей, а также посещая порт, бывшие военные объекты (ныне музеефицированные государством) и заброшенные места. В поисках визуальных примет позднесоветского периода Владивостока Наркевич намеревается передать фактуру города с особым статусом и скрытые нарративы того периода.

Для Наркевич важно искусство взаимодействия: включая в методологию исследования интервью на этапе подготовки проекта с непосредственными свидетелями предмета своего исследования, она также «подсвечивает» детали быта горожан того периода в своей итоговой инсталляции. Археология повседневности составляет концептуальную рамку проекта Елизаветы, распадаясь на конкретные артефакты (кухтыль, бобина, «мордушка»), забытые привычки и социокультурные особенности, привнесенные особым статусом Владивостока в его дальнейшее развитие после распада СССР.

Как живописцу, Наркевич важно сопротивление материала: будучи художником с профильным образованием, она не пишет на холсте, выбирая альтернативные поверхности: роспись по металлу, стеклу и ткани. Аккуратные отступления от академизма художница постепенно взращивает в исследовательский подход к изображаемому. Она пишет работы на исторических окнах XX века, подчеркивая их отжившую функциональность. Наркевич также выполняет живопись на ржавом металле или делает коллажи на джинсах, в которых путешествует по миру. Автостопщицу со стажем, её волнует понятие «свободы» и его границы, в частности свободы перемещения и высказывания.

Елизавету интересуют социальные установки, образующиеся в закрытых сообществах и правила, по которым живут люди в результате коллективного договора. Примером таких правил художница выделяет обращение человека с забором (стеной, оградкой) как неким порталом, разделяющим и навязывающим свои ограничения, пройти через который под силу лишь тем, кто знает определенный свод устных правил или же готов их нарушить и установить свой. Фактически, и в закрытый Владивосток иногородние попадали, выходя из поезда на пригородной станции «Угольная» и пересаживаясь, в обход пограничникам, на электрички, идущие в город. Повторяя и переосмысляя маршрут «контрабандистов», художница актуализирует миф об альтернативных вселенных и недоступных территориях сегодня.

В арт-резиденции «Заря» Елизавета продолжает свою серию джинсовых коллажей «Штаны-путешественники», все больше меняя по мере своего исследования фокус от закрытости Владивостока к его внутренней свободе и силе воли его жителей. Вдохновившись историей из молодости коллекционера и филантропа Александра Городнего, который однажды пририсовал на живописном холсте в процессе реставрации изображенным матросам джинсы, Лиза также отталкивается от им же созданной серии «джинсовых тетрадей»: в 1970-80-е Городний буквально перерисовывал обложки редких виниловых пластинок, попадавших во Владивосток контрабандой с морских плаваний, в свои блокноты, дотошно повторяя дизайн и создавая, таким образом, своеобразный архив запрещенной музыки и медленного времени.

Во время своего исследования Елизавета встретила множество единомышленников: в их числе Надежда Антышева — художница и морячка, Михаил Павин — фотохудожник, служивший на флоте, и многие другие. Почти все они романтизируют советский Владивосток: «Люди во Владивосток ехали в поисках свободы смелые и предприимчивые, романтики и авантюристы, их манили морские просторы, в которые смело и одухотворенно вглядываются лишь внутренне свободные люди. Тем, кто достиг тихоокеанского предела и не побоялся пройти через трудности становления, было очень нелегко начать свою жизнь здесь заново. Как нелегко было и их потомкам, и людям, которые уже гораздо позже ехали на Дальний Восток и во Владивосток со всех концов СССР, кроме всего прочего, и за этим самым ощущением свободы и романтики. Ну а тот факт, что город долгое время был закрытым, лишь подчеркивает степень решимости суровых смельчаков», — замечает Надежда Антышева. Однако множество исследователей постколониального дискурса сегодня (в их числе, например, Александр Эткинд) настаивают на изучении захватнических способов освоения Российской империей своих отдаленных окраин, а также траекторий попадания советских граждан на Дальний Восток во время сталинских репрессий и пропагандистской политики заселения отдаленных от Москвы территорий (примером излишней романтизации в рамках советской пропаганды служат знаменитые «хетагуровки» в Амурской области).

• Справка:

Елизавета Наркевич (род. 1977, Москва) — художница и скульптор. Окончила Московское академическое художественное училище памяти 1905 года по специальности «Художник театра» и ВГИК по курсу «Художник кино и телевидения». Участница групповых выставок, среди которых: «Здесь на Таганке» (галерея Андрея Бартенева «Крюкриноксы», Москва, 2020), «Новые энергии» (Арткластер Гамма, Москва, 2021), «Москва — Среда обитания» (Дарвиновский музей, Москва, 2022), а также персональной выставки «Суп Культуры» (Арт-Пространство «Девятка», Тула, 2022)

ВХОД СВОБОДНЫЙ

*Измененная строка «Открыт закрытый порт Владивосток» из песни Владимира Высоцкого «Москва-Одесса» (1978 г.)

Яна Гапоненко, куратор, ментор арт-резиденции «Заря»

28 ЯНВАРЯ — 5 ФЕВРАЛЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

28 ЯНВАРЯ / 18:00—20:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

• Авторские экскурсии: 29 января в 15:30 и 16:00
• Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Саша Бухарина вдохновляется ар-брютом, «наивным» и «первобытным» искусством. В медиумах она тяготеет к графике и живописи, а также ведет свои рисовальные дневники, некие путевые заметки повседневности. Один из таких дневников — Книга учета от 1 февраля 2022 года — будет представлен на выставке по итогам арт-резиденции «Заря» как работа в процессе. В своем творчестве художница исследует духовную разобщенность общества и собственное психологическое состояние в этой связи. Весной 2022 года художница издала совместный с Анастасией Самбурской зин со стихами и графикой. Бухарина работает со своими личными состояниями деперсонализации (расстройства самовосприятия личности и утрата чувства собственного «Я») и дереализации (сопровождающееся статусами «уже виденного» или «никогда не виденного») и, в конечном итоге, перерабатывает испытываемые эмоции в немой язык образов. Ранние работы Бухариной по степени тревожности, исходящей от изображаемого художницей, сравнивают даже с «Герникой» Пабло Пикассо.

В работах, сделанных во время арт-резиденции, художница манифестирует одиночество человека в толпе. Для нее, как и для многих местных резидентов обновленного сезона в «Заре», это первый опыт персонального проекта. При этом она, словно губка, впитывает вдохновение от соратников и единомышленников, окружающих ее повседневно. Резидентка галереи «Порт», Бухарина является активной участницей одноименной художественной самоорганизации. Для нее процесс рисования схож с терапевтическими практиками по силе воздействия на нее саму. Ее практики ведения дневников — своего рода эскапизм от реальности в воображаемые миры художницы. Своей первой сознательной работой Саша называет диптих «Дом солнца», который она обменяла у прохожего на его стихотворение. Свои ранние работы Бухарина характеризует как пропитанные болью и скорбью. Она часто изображает людей без определенного места жительства или представителей сообщества рома («цыган»), при этом сюжетно они изображены у крестов и могил на фоне красного заката, в состоянии одиночества. Тема смерти у Бухариной визуализируется в пограничных состояниях изображенных на ее работах — предсмертная агония, похороны, трансформация тела в почву. Одну из работ она строит на лингвистической игре и, назвав ее «Игра в ящик», буквально изображает ящики с портретами людей. Серия «Танцы с болью» нарисована в блокноте красной ручкой, что называется, «на ходу». Многие работы художница создает на улицах — как в блокноте по пути куда-то, так и на стенах города. И многим присваивает темы уже постфактум — так сцена, нарисованная практически автоматическим письмом, после написания сюжетно развернулась в историю из сказки «Кошкин дом». Оммаж на «Купание красного коня» художница пишет поверх использованной учебной композиции и авторски интерпретирует сюжет как «Купание красной фуры», при этом именно фуру, падающую с высоты утеса в воду, она называет главным героем этой работы. На ней изображен некий библейский хаос, напоминающий наводнение, а конь — единственный персонаж работы со спасательным кругом.

Один из ключевых персонажей в живописи и графике Бухариной — то, что художница сама называет «анимус», некий социальный конструкт ее альтер-эго. Анимус — это антропоморфный «аватар» автора, бесполое существо, посредством которого она ведет коммуникацию со зрителями изнутри своих зарисовок. Работая с собственными внутренними ограничениями, влияющими на ее личную оптику восприятия мира, она заходит на территорию социальной антропологии, подчеркивая разрыв между реальным объектом и его представлением на своих работах, а также устным описанием, которого Саша старается избегать.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»

21—26 ЯНВАРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

21 ЯНВАРЯ / 18:00—20:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

• Авторские экскурсии: 22 января в 15:30 и 16:00
• Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Свет с Венеры отразился от верхних слоев атмосферы и вызвал взрыв болотного газа (с)

Юля Утюгова в своих художественных практиках опирается, помимо прочего, на исследование мифологии места. Родившись в г. Дальнегорск на севере Приморского края, она с детства помнит местные легенды об упавшем в их краях в 1986 году метеорите. Юля вспоминает, как остатки метеорита оказались в руках ее мамы, специалиста по сплавам металлов, но вскоре были конфискованы спецслужбами. При этом в Википедии отсутствуют статьи об инциденте с метеоритом (или НЛО) в Дальнегорске на русском и английском языках.

Уфолог Валерий Двужильный описал тогда это явление как свидетельство внеземной жизни, дав месту падения метеорита название «Высота 611». Высота 611 — это и топоним, относящий нас к сопке Известковая в Дальнегорске на севере Приморского края, и общее название для обозначения места предполагаемого падения НЛО, и даже наименование газеты, издававшейся как платформа для дискуссий об аномальных явлениях. Экспедиция Валерия Двужильного более 30 лет назад обнаружила следы высокотемпературного воздействия на обозначенной высоте и положила начало продолжающейся по сей день, отчасти спекулятивной, конвертации легенды о падении НЛО в последовательное брендирование территории. Мифология места стала темой исследования Юли Утюговой в арт-резиденции «Заря», во время которой она обращается к теме экзотизации локального, а также к теме ксенофобии. Встраиваясь в логику противопоставления «своих» и «чужих», Утюгова изобразит в свойственной ей технике тафтинга — виде текстильного производства — сюжет похищения тигра представителями НЛО, который художница разворачивает не случайно: тигр стал расхожим символом Приморского края и вызывает эмпатию как местный образ. Но насколько возможно сочувственное межвидовое совместное проживание в наше время?

Анималистика в сюжетах и яркие колористические решения берут корни в Юлином детстве, когда та наблюдала за увлечением ее мамы учением «фэншуй». Юлю также интересуют различные проявления девиации (отклоняющегося от общепринятых норм поведения). Перед стартом резиденции художница признается, что наткнулась на подкаст о философии восприятия инопланетян людьми и начала изучать особенности такого литературного жанра как «космический ужас». Художница утверждает, что, несмотря на допущение жизни без определенной идентичности и на страх того, что искусственный интеллект однажды превзойдет человеческий, ее проект исходит из допущения антропоцентризма. «Я бы хотела перенести идею антропоцентризма в неживую обстановку лишенную био-качеств, — говорит Утюгова. — Вроде того, как работает гештальт-терапия, когда ты награждаешь объект своими страхами и чувствами (или идентифицируешь его с собой) с целью деконструкции ситуации/страха/чувства и последующим излечением. Мне кажется, что Приморский край — отличное поле для разыгрывания такой гештальт-практики. Потому что тут сосуществует вместе сразу очень много разного: разные климатические биосферы, разные народы и т.д. Очень легко в такой обстановке словить все признаки главного героя жанра космического ужаса касаемо противопоставления себя чужакам, или обнаружения чужого в себе».

Учение об НЛО (уфология) строится на идее чуждости, инаковости, девиации. Оно призвано оставить предмет максимально неисследованным, чтобы не сокращать дистанцию между ним и субъектом (человеком). Аналогично мифологическое сознание древних людей наделяло особой непостижимой силой богов для объяснения себе природных явлений, превосходящих силу человека. Проводя параллель с современностью, можно утверждать, что современный человек видит такую силу в искусственном интеллекте, потенциал которого до конце неизвестен и которого можно будет наделить в будущем всей ответственностью за проступки человека.

• Справка:

Юля Утюгова — художница. Закончила МГХПА им. Строганова, кафедра МДмДПИ (керамика и металл). В своем творчестве рассматривает национальность, идентичность, мифологию, социальное пространство, особенности сознания и восприятия. Работает с декоративно-прикладным творчеством, графикой, фотографией, видео, цифровым искусством. Участница групповых выставок в ЦСИ «Артэтаж» (Владивосток, 2022), Дизайн-заводе «Флакон» (Москва, 2021), Государственном Дарвиновском музее (Москва, 2019), Культурном центре ЗИЛ (Москва, 2019), Галерее «ГРАУНД Песчаная» (Москва, 2019).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»

10—15 ДЕКАБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

10 ДЕКАБРЯ / 17:00—20:00 / ОТКРЫТИЕ ИНСТАЛЛЯЦИИ

17 ДЕКАБРЯ / 18:00—20:00 / ПЕРФОРМАНС «НАИТИЕ»

• Авторские экскурсии: 11 декабря в 15:30 и 16:00
• Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Для Миланы Пестеревой нет существенных различий между воображением и реальностью — реальность в ее графических работах часто расширена до пространства космоса и в целом сосредоточена на дуализме повседневного и вымышленного. Художница распаковывает свойственную ей экспрессивность, часто повторяя в своих графических и живописных работах мандорлу — миндалевидной ореол, символизирующий выход за пределы формы, плоскости и материи. Милана изображает мандорлу в виде большого взрыва, в стилистике, граничащей с поп-артом. Еще один часто встречающийся символ в ее работах— четырехконечная звезда, символизирующая стороны света. Сама художница объясняет ее значение следующим образом: «Четыре стороны света -> Планета Земля -> Земное существо -> Человек -> Компас -> Поиск верного пути -> Сияние».

Другой элемент ее работ — дневниковые зарисовки в графике о бытовых и природных ситуациях, существующих на грани реальных событий и сна, например, о разрушенных тайфуном мостах или полетах над деревней. А сами материалы, с которым чаще всего работает художница — пастель и пряжа,— задают мягкость и неуловимость высказывания.

Художница любит наблюдать за судьбой своих произведений: так, платок с вышитыми колокольчиками был перевезен ею в тайгу на севере Приморского края и стал привлекать крупных бабочек, которые извлекают своими крыльями из платка звуки, а помещенное в лес сотканное платье с вышитыми стихами ее друзей заинтересовало птиц, которые постепенно выклевывали из него пряжу, унося с собой часть работы.

Сегодня Милана Пестерева находит вдохновение во взаимодействии с коллегами по группе ДВР, уехавшими в село Горноводное на севере Приморского края для создания там пространства «радостного со-бытия и веселия сердца». В глуши таежной резиденции Пестерева практикует коллективное существование в обустраиваемом доме, постепенно засеивая огород и не оставляя ни на день рисование и вязание. Ручной труд помогает художнице«заземлиться» и почувствовать ход времени.

Идея связать крючком дом в натуральную величину, с которой Милана пришла в резиденцию «Заря», зародилась по той же причине любви к ручному труду. Художница преобразит пространство мастерской в вязаный дом, который после завершения проекта будет трансформирован в серию функциональных объектов: его стены можно будет буквально примерить на себя — в качестве одежды. Так созданное из пряжи убежище для уединения становится соизмеримым с человеческим телом и сливается с ним. Дом, который можно надеть на себя, полон цветовой экспрессии и орнаментов из повторяющихся геометрических форм. В своей предельной ограниченности форм и цвета вязаный дом Пестеревой отсылает к«Триадическому балету» Оскара Шлеммера и к традиции использования цвета в костюмах для танцев. Наследие Баухауса (немецкой школы дизайна, где преподавал Шлеммер) подсознательно выкристаллизовывается в междисциплинарности художественного высказывания Пестеревой, в ее игре с (дис)функцией объектов и в коллективном подходе к своей практике.

Экспозиция одежды, в которую превратится инсталляция с домом 17 декабря, будет представлена зрителю через неделю после выставки «Домик у реки». Посетителя ждет перформанс, где художница предстанет в тотальном коконе одежды и будет присутствовать до последнего посетителя.

• Справка:

Милана Пестерева (Чарая) (род. 1997, Владивосток) — художница. Окончила Владивостокское художественное училище (2016). С 2017 года — участница Владивостокской школы современного искусства (ВШСИ), с 2019-го — художественной группы ДВР. С апреля 2022 года живет и работает в таежной резиденции, созданной группой ДВР в поселке Горноводное на севере Приморского края.

Избранные персональные выставки: «Чарая» (галерея «Арка», Владивосток, 2020), «Солнце встает, и солнце садится» (совместно с Елизаветой Козловской-Каганской; галерея «Арка», Владивосток, 2021). Избранные групповые выставки: «Весна блаженная» (Центр современного искусства «Заря», 2019), «О чем поют русалки» (Центр современного искусства «Артэтаж», Владивосток, 2021), «Семь планов солнечной системы» (галерея «Коробка», Владивосток, 2021), Fun is over (самоорганизованная галерея Fun is over, Владивосток, 2021), II Иркутская молодежная самоорганизованная горизонтальная микробиеннале 3(2) дня (2021), «Свадьба ДВР» (павильон на Морском вокзале, Владивосток, 2021), «Александр Городний сейчас полон надежд» (павильон «Третьяковка в движении»,Владивосток, 2021), «Она была красива как русский пейзаж» (Музей современного искусства PERMM, Пермь, 2022) и др. Участница проекта «В единственном экземпляре» (в составе группы ДВР) Музея современного искусства «Гараж» (Москва, 2021). Лауреатка Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация» в номинации «Новая генерация» (в составе группы ДВР; 2020).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»

3—8 ДЕКАБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

3 ДЕКАБРЯ, 18:00—20:00 / ОТКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ

• Авторские экскурсии: 4 декабря в 15:00 и 16:00
• Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Графика Миши Чансы — это шрифтовые каллиграфические композиции, сделанные чаще всего черным маркером на белых листах и состоящие из абстрактных символов, выстроенных в линию или квадрат. В арт-резиденции «Заря» художник создаст новую серию плакатов и светотеневую инсталляцию.

В прошлом Миша Чансы — печатник и верстальщик, много работавший с разными типами оформления текстов, поэтому теперь он воспринимает любой текст блоками, в которых для него важен воздух между буквами и пустота между абзацами. Мишу интересует не значение конкретного символа (буквы или иероглифа), а его форма. Художнику также важно ощущение тела в движениях руки при письме. В скорости, с которой он создает свои работы, автор опирается на механику автоматического письма.

Петроглифы, сохранившиеся на Дальнем Востоке, могут стать ключом к пониманию произведений владивостокского автора. Однако Миша Чансы не апроприирует эстетику петроглифов, но создает собственные образы,в которых стерта принадлежность к тому или иному времени и месту, культурному коду и идентичности. Система знаков Чансы, с одной стороны, не несет в себе информации и не является шифром, с другой стороны, в силу своей архетипичности может быть интерпретирована как некое универсальное сообщение или как игра с различными культурными системами (такими как письменность).

Увлечение печатной графикой и рефлексия о ее материалах и методах — как и желание поддержать соратников — привели Чансы к идее собственного издательства«Fun is over press», которое помогает приморским художникам выпускать постеры и зины. Работа оформителем выставок в Музее истории Дальнего Востока им. В.К. Арсеньева также влияет на художника, но, по его собственным словам, он стремится смотреть меньше объектов, чтобы насмотренность не влияла на его практику художника.

Результатом арт-резиденции в «Заре» станут новая серия постеров и светотеневая инсталляция, в которой изображения, созданные Чансы при помощи трафаретов, проецируются на стены мастерской, заполняя ее пустоту. Это своего рода театр теней, в котором вакуум темноты взламывается при помощи света.

• Справка:

Миша Чансы (настоящее имя — Михаил Чувакин; род. 1990, Большой Камень, Приморский край) — художник, куратор. Окончил факультет психологии Дальневосточного государственного университета (Владивосток). Создатель мастерской шелкотрафаретной печати OTETZ (2012–2019). С 2020 года — художник-декоратор, технолог выставок в Музее истории Дальнего Востока им. В. К. Арсеньева (Владивосток). В 2020 году в Центре современного искусства «Артэтаж» (Владивосток) состоялась персональная выставка Михаила «Fun is over». В 2021 и 2022 годах был куратором и участником выставки графики «Fun is over 2.0» в одноименном пространстве во Владивостоке и выставки Atavistic в галерее «Арка» (Владивосток). В 2022 году участвовал в групповой выставке «Она была красива как русский пейзаж» (Музей современного искусства PERMM, Пермь). Живет и работает во Владивостоке.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор программы арт-резиденции

21 МАЯ – 3 ИЮЛЯ 2022 / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

Лёха Гоминид – владивостокский музыкант и художник, работающий с найденными объектами, ассамбляжем, компьютерной графикой «лоу-фай» и зарисовками с натуры, запечатлевающими абсурдность повседневности. Впрочем, слово «художник» не вполне применимо к нему – сам он именует себя «поделочником», или «подделочником», отвергая таким образом саму систему современного искусства, в которую не собирается встраиваться.

Собственно, «поделки», или «подделки» – одна из самых больших его серий, которая представляет собой ассамбляжи из выброшенных игрушек. Сопровождаемые подписями, они складываются в небольшие композиции, повествующие абсурдные истории.

• Рецензия на выставку от Антрисольского Г.И. (орфография и пунктуация автора сохранена).

Плод воображения, представляемый в ближайшем обозрении как круг всеобъемлющей гордости и предубеждения, показывает нам всю уязвимость потока времени, так часто упоминаемый в романе Р. Карцева «Облака забинтованные». В этот раз корень преткновения обусловлен лежащим камнем, под который не течёт вода. А также ножницами и бумагой, вечно побеждающими или побеждёнными, в зависимости от уровня загрязнения водоёмов с квакшами по-португальски. Нарочито вывешенный за окно лозунг «Я за всё» мешает воспринимать реальность как данное, ибо нельзя повернуть вспять историю с её мимолётными поворотами вокруг своей оси и не наделать шума в узких кругах. Наскоком выманенный из своего логова волк не хочет жить правдой, а хочет быть желанным для своих охотников, но не в качестве трофея, а в составе группы по обезжириванию кефира и доскональному осмотру у врача высшей категории. Истинны ли твои мотивы, когда ты хочешь постигнуть вопросы бытия, не предаваясь при этом законному праву на двоеродие? Нет, не будет сейчас думать о плохом качестве водопроводной воды. В ней нет никакого смысла, если ты не лежишь на траве и не смотришь в небо, где возможно повторение сценария от 05.03.06.

Антрисольский Г.И.

Все события и герои вымышлены. Любые совпадения случайны.

Лёха Гоминид – руководитель Студии всего «Цезарь и Тренога». Представлял персональные выставки в галерее «Арка» (2017) и «Артэтаж» (2022). Участник групповых выставок, в числе которых «Высота 611» (ЦСИ «Артсерватория», 2019), «Трагедия в углу» (Музей Москвы, 2018), «Рядом с небожителями» (галерея ARTIS, 2017), «Край бунтарей» (ММСИ, 2017, Музей Эрарта, 2016, ЦСИ «Заря», 2015).Участник 2-й Триеннале российского современного искусства (Музей «Гараж», 2020), выставка номинантов Zverev Art Prize (ЦСИ «Винзавод», 2021). Работы находятся в коллекциях Московского музея современного искусства, ЦСИ «Заря», галереи «Арка», ЦСИ «Артэтаж», в частных коллекциях.

В мастерской арт-резиденции доступна для посещения выставка Николая Алексеева «Там тоже холодно и пусто, как здесь».

«“Там тоже холодно и пусто, как здесь” – это фраза совы, которая обманывает перелетных птиц из удэгейской сказки. Не очень понятно, где находятся эти "там" и "здесь", так же обстоит дело и с работами на выставке. Стоит отметить, что это не совсем выставка, а скорее набор отдельных живописных работ, которые я успел сделать за то недолгое время, пока был в резиденции. Там и здесь в работах присутствует пространство, часть изображений созданы по мотивам прогулок по Владивостоку и его окрестностям, а часть отсылает к увиденным пейзажам и объектам в Ялте и Таганроге в разные годы.

Две одинаковые формы пчелиных сот – это перерисованная странная находка на мусорке. Удивительно, что я случайно нашел похожие формы в родном Воронеже, а затем уже здесь, во Владивостоке. На небольшом видео, которое больше похоже на отчет о поездке «для бабушки», смешиваются зарисовки с Зари, Шаморы, Русского острова, переплетаясь с видео из Youtube – моего первого знакомства с Уссурийским заливом, где лодочное путешествие заканчивается ошибкой видеокодека, и летящая птица проваливается в цифровой шум. Также на видео присутствует фраза “На прошлой неделе шел снег”, но не очень ясно, когда была эта неделя. Вместе с навязчивым повторением живописных сюжетов, размытостью форм и цветов она отсылает нас к непостоянству памяти, где реальные и цифровые путешествия смешиваются в один временной поток», – рассказывает художник.

Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн.

15 НОЯБРЯ 2019 – 17 МАЯ 2020 / БОЛЬШОЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

15 ноября в Центре современного искусства «Заря» откроется выставка «Дальний фокус», куда войдут около 400 снимков Владивостока с конца семидесятых до 2019 года. Проект впервые представит широкую ретроспективу и самый «свежий» срез современной фотографии города.

«Многие региональные фотографические школы — от Петербургской до Казанской и Новокузнецкой — можно было увидеть в России на выставках, они печатались в альбомах и каталогах. В то же время во многих городах и целых областях фотографические практики остаются невыявленными и малоизвестными в России и мире. “Дальний фокус” — наша попытка понять и представить с помощью медиума фотографии, как и чем живет Приморье и как его видят владивостокские художники и репортеры», — отметила главный куратор ЦСИ «Заря» Алиса Багдонайте.

Представленные в экспозиции фотографии «проявляют» жизнь большого города и целого региона, открывая различные способы «вглядывания» в реальность и манипулирования изображением.

«Проект “Дальний фокус” оказался для меня важным опытом: за время кураторской резиденции и общения с фотографами, художниками, галеристами и музейщиками в арт-резиденции “Заря” мне удалось собрать базу данных и архив фотографий, — рассказала куратор выставки Анна Петрова. — Материал оказался неожиданным и интересным, как с пластической, так и с антропологической точек зрения».

Восемь залов ЦСИ «Заря» раскрывают жанры и «режимы взгляда», проявленные владивостокскими фотографами: от «производственного портрета» и дальневосточного ландшафта до архитектурной съемки и артистических экспериментов. Самый популярный сегодня фотографический жанр портрет помогает представить других — целые классы и страты общества, — и в то же время искать и находить себя. Снимки завода «Дальприбор» фотографа Георгия Хрущева, репортажи Александра Хитрова, серии Глеба Телешова фиксируют образы профессий и малых народов. Постановочная и фэшн-фотография чередуются с документальной хроникой с рабочих мест, приглашенные модели сменяются цирковыми жонглерами и акробатами, сапожниками и обувщиками — в циклах Ивана Сперанского, Алексея Короткова, Владимира Шутафедова.

Городской пейзаж Владивостока реконструируется в панорамах и архитектурной съемке Елены и Александра Мельниковых, а массовое хрущевское и брежневское строительство домов-коробок поэтизирует Сергей Орлов.

Коллективное «тело» города, его групповую идентичность представляют серии раздела «Праздники и ритуалы», в которую вошли Масленица и 1 мая, митинги коммунистов и крестные ходы, которые демонстрируют различные настроения и способы коммуникации: от строго регламентированных до спонтанных и свободных.

Артистическая фотография — часто постановочная и экспериментирующая с техникой съемки, проявки и печати — разворачивается в сюжетных и концептуальных сериях Михаила Павина. Идеалы нонконформизма и альтернативного взгляда развивают снимки Сергея Дробнохода и Сергея Кирьянова. Отдельным разделом выставки становятся фотографии, снятые смартфоном и выхватывающие фрагменты «улиц и лиц», взгляды и жесты, цвета и фактуры, по-новому приближая городскую жизнь к наблюдателю, фланеру и зрителю. В режиме «стрит-фотографии» снимают Денис Коробов, Мария Бабкова и инстаграмеры Павел Немтин и Леонид Звегинцев.

Всего на выставке будут представлены работы 19 фотографов: Марии Бабковой, Сергея Дробнохода, Леонида Звегинцева, Сергея Кирьянова, Евгении Кокуриной, Дениса Коробова, Алексея Короткова, Юрия Луганского, Елены и Александра Мельниковых, Павла Немтина, Сергея Орлова, Михаила Павина, Ивана Сперанского, Глеба Телешова, Александра Хитрова, Георгия Хрущева, Владимира Шутафедова и Юрия Яроцкого.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Изображение: Михаил Павин. Из серии «Первое измерение», 2001

• Ознакомиться с электронным каталогом к выставке можно здесь.

15 НОЯБРЯ 2019 – 17 МАЯ 2020 / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

15 ноября в малом зале ЦСИ «Заря» откроется фотовыставка «Архитектура воды. Опыт погружения», которая познакомит зрителя со снимками российских здравниц СССР и России (включая Приморский край). Выставка проводится до мая 2020 года.

Выставочный проект «Архитектура воды» объединяет снимки двух эпох — советской и постсоветской. В экспозиции представлены работы Клодин Дури, Оли Ивановой, Даниила Колчанова, Дмитрия Лукьянова, Ивана Михайлова, Игоря Мухина, Егора Рогалева, Михала Соларски, Рене Фицека, Георгия Хрущева, а также Анатолия Топуза, Игоря и Михаила Чураковых. Куратор выставки — Анна Петрова.

В Советском Союзе санатории, пансионаты, лечебницы устраивались в бывших царских резиденциях и дворцах, немного было построено авангардистами и неоклассиками в 1930-е. После Второй мировой войны здания для культурного отдыха и поправки здоровья (рекреационная архитектура) сооружались архитекторами-модернистами без всяких излишеств, но в новаторских и порой абсурдистских формах.

Тогда же все эти новые постройки фиксировались фотографами: Михаил и Игорь Чураковы ездили по стране, снимая жилые дома и административные здания. Репортер Анатолий Топуз проникал внутрь комплексов: его жанровые цветные снимки физиопроцедур говорят о технической оснащенности лечебниц и передают практически сюрреалистическую атмосферу медицинского вмешательства в организмы советских граждан.

Сегодня, в нашем капиталистическом мире, советское санаторное наследие кажется оазисами благоденствия. Британская журналистка Мириам Омиди, изучавшая систему рекреационной индустрии в СССР, собрала книгу с фотографиями здравниц России и Белоруссии, Крыма и Кавказа, Средней Азии и Прибалтики. Многие из приглашенных ею к участию фотографов продолжили снимать свои истории про курорты.

Именно эти снимки и стали основой второй части выставки. Клодин Дури, Рене Фицек, Михал Соларски, Дмитрий Лукьянов, Оля Иванова, Егор Рогалев демонстрируют как образы модернистской архитектуры, характерные силуэты и интерьеры, так и настроения и выражения лиц людей, переживающих опыт физиопроцедур. Расслабленные или сосредоточенные, терпящие дискомфорт или уже заснувшие герои этих снимков представляют как фотографический, так и антропологический интерес.

Еще один раздел экспозиции — так называемая «архитектура воды» Приморья, Кавказа, Москвы и Волги. Фотографии Игоря Мухина из цикла «Week-end», женские портреты Оли Ивановой из легендарной «Чайки» (открытого бассейна в центре Москвы), снимки Ивана Михайлова с волжских набережных Чебоксар и спальных районов Москва-реки, репортаж о приморских «моржах» Георгия Хрущева, «бесстыжие ванны» Пятигорска Дмитрия Колчанова продолжают тему, демонстрируя природную архитектонику, проруби и каменные бассейны, дикие пляжи и пирсы.

Отдельной историей становится работа «Океанизация» Егора Рогалева, исследовавшего курорты и пионерские лагеря Владивостока. Проект представляет собой двухканальную видеоинсталляцию на основе архивных материалов и кадров, отснятых во время пребывания в арт-резиденции «Заря». В работе рассматриваются сложные отношения архитектуры Владивостока с особенностями ландшафта, геологического рельефа и климата, развивающиеся на фоне двух противоборствующих тенденций — инертного желания нейтрализовать и контролировать внешние воздействия и стихийного поиска более открытых и пластичных способов взаимодействия со средой.

Образы грязей, пещер, прогреваний, кислородных ванн, лечебной физкультуры, вертикальных соляриев и комнат соли погружают пользователя и зрителя в иную реальность, делая летний отдых приятным испытанием. «Архитектура воды», понятая как прямо, так и метафорически, оказывается проектом сюрреалистическим и абсурдистским, погружая зрителя в глубину ощущений курортников и отдыхающих, проектирующих и строящих, плавающих и ныряющих.

На выставке представлены фотографии из архива Государственного музея архитектуры им. А. В. Щусева (Москва) и собрания Сергея Шестакова (@ussr.photo).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Изображение: Егор Рогалев. Санаторий «Куяльник». Одесса, 2016

5 ОКТЯБРЯ – 4 НОЯБРЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

ВЕРНИСАЖ: 5 ОКТЯБРЯ / 17:00 / 18+ *

ЛЕКЦИЯ ДМИТРИЯ МОРОЗОВА: 5 ОКТЯБРЯ / 17:30 / КИНОЗАЛ

5 октября в Центре современного искусства «Заря» откроется мультимедийная инсталляция «Гость» одного из самых известных в мире российских художников в области научного искусства Дмитрия Морозова, более известного под псевдонимом ::vtol::.

Работы Дмитрия обращены к звуку, свету, сообществам, интернету и всем возможностям освоения мира, которые доступны человеку. Во Владивостоке художник представит составную кинетическую, электромагнитную и звуковую инсталляцию, посвящённую Сихотэ-Алинскому метеориту, упавшему на Дальнем Востоке в 1947 г. По задумке, циклическая система моделирует момент «прибытия» метеоритов на землю – практически неуловимую и редчайшую ситуацию.

«Главным импульсом и вдохновением, побудившим меня на создание этой работы, стало попадание в мою геологическую коллекцию нескольких индивидуальных фрагментов уникального по ряду причин Сихотэ-Алинского метеорита: это самый крупный в новейшей истории железный метеорит; свидетелем его падения было множество людей, в том числе художник Пётр Медведев, работавший на пленэре во время падения и зафиксировавший свои впечатления на картине, впоследствии ставшей в СССР популярной. Это самый изученный из когда-либо падавших на землю объектов, однако мелкие осколки и индивидуальные фрагменты до сих пор находят на месте падения.

Невероятная притягательность этих «гостей» из космоса моментально побудила меня приступить к проработке художественного исследования, вовлекающего наиболее интересные для меня тренды в технологическом искусстве: естественный и искусственный̆ электромагнетизм, работа со звуком, роботизированные автоматические системы, геология и астрофизика. При этом каждая из этих тем – это не только средство достижения целостного художественного образа, но и самостоятельный мощный медиум, формирующий синергию отдельных элементов работы. Реализация проекта заключается не только в создании собственно объекта, но в и путешествие с ним в поселок Метеоритный, находящийся рядом с местом падения в горах Сихотэ-Алиня.

Кульминация проекта – установка действующей инсталляции в один из кратеров, оставшихся после падения туда фрагмента метеорита. Это своеобразный способ воссоздать момент падения непосредственно на месте приземления космического осколка. Подобное путешествие уместно назвать паломничеством/исследованием, совмещенным со съемкой небольшого документального фильма, посвящённого всему процессу», – рассказал Дмитрий.

Дмитрий Морозов (р. 1986, Москва) воплощает свои художественные идеи в технологических жанрах: робототехнике, звуковом искусстве, научном искусстве, исследует темы хаоса и самоорганизации систем, анализируя социальные, биологические, физические явления, занимается разработкой и созданием экспериментальных музыкальных инструментов и модульных синтезаторов. Участник основного проекта 4-й Московской биеннале современного искусства, фестивалей Архстояние, Ночь Новых Медия, CTM/Transmediale (Германия) и Ars Electronica (Австрия), выставок на ведущих площадках современного искусства: ГЦСИ (персональная выставка «Интерфейс происходящего» до 29 сентября 2019), ММОМА, Манеж, Государственный Эрмитаж, Laboratoria Art&Science Space, Электромузей, Политехнический Музей, Garage, ZKM (Германия), Ars Electronica (Австрия), Boulder Museum of Contemporary Art (США), National Contemporary Art Museum of Taiwan (Taiwan), участник групповой выставки «Открытие, Открытие» в ЦСК «Хлебозавод» (Владивосток). Лауреат премии Сергея Курёхина (2013), Премии Cube (Франция, 2014), почетные упоминания премии VIDA 16.0 (Испания, 2014), Ars Electronica (Австрия, 2015, 2017).

Работа создана на средства гранта NOVA ART, полученного в рамках конкурса NOVA ART CONTEST.

* Обращаем ваше внимание, что выставка имеет возрастной ценз 0+, но несовершеннолетние даже в присутствии родителей на вернисаж не допускаются. Спасибо за понимание.

ВХОД СВОБОДНЫЙ