Наша голова имеет круглую форму, чтобы мысль могла менять направление. ФРАНСИС ПИКАБИА
Выставки

ПОСТОЯННАЯ ЭКСПОЗИЦИЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

В Центре современного искусства «Заря» открылась ретроспективная выставка «Сон Зари», охватывающая семилетнюю историю Центра. Задача экспозиции рассказать об институции, сохранив ностальгическую тональность: зрители узнают обо всех знаковых проектах, которые были осуществлены в этот период в ЦСИ, а также увидят архивные материалы и интервью с художниками, кураторами и исследователями.

«Как и многие художественные институции, Центр современного искусства “Заря” стал местом, где были показаны различные проекты, отличающиеся предельной актуальностью и ярко выраженной авторской интонацией. Каждый проект был реализован не просто в режиме завершенного предъявления набора артефактов или практик, но в форме дискуссионного пространства, где экспертное знание сталкивалось с разнородными реакциями аудитории, формируя полифонию смыслов и мнений», рассказала главный куратор ЦСИ «Заря» Алиса Багдонайте.

Участниками масштабной выставки станут известные российские и зарубежные авторы (Георгий Острецов, Лейф Холмстранд и др.), а также местные художники (Ильяс Зинатулин, Кирилл Крючков, Андрей Дмитренко и др.).

В экспозиции уделят внимание крупным выставкам и программам кинопоказов, лекционным циклам и перформансам, которые проходили в стенах ЦСИ «Заря» и знакомили гостей Центра с многогранным миром современной культуры и гуманитарной мысли.

Еще один аспект, который затронут на выставке, взаимодействие ЦСИ «Заря» и Владивостока, в котором он расположен. Часть экспозиции посвящена опыту художников, чьи проекты были глубоко интегрированы в городскую среду: «крылья» Паши 183, размещенные на автобусных остановках; граффити Славы ПТРК на уличных ступенях; миниатюрные многоквартирные дома немецкого художника Evolи их дальнейшая судьба.

«Появление новых культурных институций всегда действует как триггер, запускающий цепную реакцию процессов, в конечном итоге трансформирующих привычный символический уклад и обусловливающих возникновение новых связей между людьми и сообществами. И пусть диалог ЦСИ “Заря” и Владивостока не всегда проходил гладко, в конце концов, Центру удалось интегрироваться в культурную жизнь города, наладив взаимоотношения со многими выставочными, музейными и исследовательскими институциями», поделился куратор выставки Андрей Василенко.

Важными элементами художественной и исследовательской политики ЦСИ «Заря» стала репрезентация локального художественного контекста и выстраивание устойчивых взаимоотношений с местными художниками, кураторами, музыкантами и представителями гуманитарных профессий. Выставка «Край бунтарей. Современное искусство Владивостока. 1960–2010-е», о которой также расскажут в рамках «Сна Зари», открыла для Центра возможность панорамировать историю регионального искусства за более чем полувековой период в оригинальной кураторской интерпретации.

В разделе «Сна Зари», посвященном портретизации региона, будет сделан акцент на собрании работ, созданных участниками арт-резиденции ЦСИ и представленных в Центре в прошлом году. В рамках выставки IN RESIDENCE были артикулированы связи между художественными подходами резидентов в исследовании территории, которые в совокупности предлагали составить новый «портрет места».

Единственная на Дальнем Востоке программа арт-резиденций, открытая при Центре в 2014 году, приняла художников из 21 страны и реализовала более 90 проектов, посвященных осмыслению местного геополитического, социального и культурного ландшафта. В своей работе художники неизменно делали фокус на локальном контексте мифологии данной территории, особенностях социальной и культурной жизни и разностороннем сотрудничестве с местными сообществами.

25 ДЕКАБРЯ 2023 — 14 ЯНВАРЯ 2024 / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

24 ДЕКАБРЯ / 19:0020:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА / АРТ-РЕЗИДЕНЦИЯ

Итальянская художница Айша Джанна Мюллер презентует результаты своего пребывания во Владивостоке. Начало в 19:00 в пространстве арт-резиденции «Заря» (цех 2, вход 1).

В выборе места для резиденции художница руководствовалась географическим положением Дальнего Востока России. Её научно-художественный проект находится на стыке геодезии, географии и исследований репрезентации Другого. Основные медиумы Айши – фотография и видео, при этом методологически ее работу всегда предваряет обширное и подробное исследование.

Работая на пересечении физики времени и поэтики пространства, художница обращается к горизонтальной оси географии Восток-Запад, напоминая нам о колониальном западном взгляде на «восточные» земли. В этой же традиции деления на Запад и Восток она также исследует вопрос раскола христианской церкви на католическую и православную, вспоминая итальянского священника Маттео Риччи, поехавшего в конце XVI века в Китай прививать католицизм. Миссия (как это тогда традиционно называли) окончилась разработкой знаменитой карты 1602 года с синоцентрическим подходом, предложившим в качестве центральной точки отсчета использовать международную линию перемены даты по заложенному в XIX веке антимеридиану (иначе называемому «меридианом 180° долготы», который совместно с Гринвичским меридианом делит Землю на Восточное и Западное полушария).

Еще один интерес резидентки находится в области археологии: Айша изучает древнюю культуру этрусков, которые были истреблены и ассимилированы римской цивилизацией. Задавая вопросы современной археологической науке, у себя дома Айша планирует отыскать следы еще более ранней, чем этруски, цивилизации. Территория Приморского края, в свое время заселенная чжурчжэнями, интересует художницу, в том числе, с точки зрения смены формаций и смены одного народа другим с ходом времени.

В рамках резиденции выбор художницы пал на изучение линии перемены дат, проходящей относительно недалеко от Владивостока. В качестве итогового проекта Айша покажет видео, созданное во время зимнего солнцестояния. Этот период связан со сменой даты года почти во всех древних культурах мира, поскольку это самый короткий день в году, и темнота постепенно уменьшается вплоть до дня равноденствия.

Помимо этого, на встрече Айша расскажет про исследовательскую работу, продолжение которой запланировано на 2024 год.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

1—22 ОКТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

30 СЕНТЯБРЯ / 18:00—20:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

  • Авторская экскурсия: 1 октября в 17:00
  • Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Для Кирилла Гаршина арт-резиденция «Заря» явилась поводом для диалога между человеком и природными космологиями, от которых эпоха антропоцена все дальше отдаляет людей как вид. Гаршин исследует свойства и возможности (а также пределы) органического пигмента как материала для живописи. Начав со своей серии «Бестиарий», живописец из Воронежа экстрагирует органические красящие вещества. Заинтересовавшись эндемиками Приморского края и начав с ними работать, Кирилл внезапно столкнулся с крупнейшими ливнями и тайфунами во Владивостоке за несколько десятков лет. Водоросли и цветы, которые должны были стать для него рабочим материалом, «не шли в руки», и тогда художник концептуализировал саму неявленность материала и сложность в его объективизации.

Отталкиваясь от анимизма и придав водоросли агентность субъекта, художник делает ее главным персонажем своего живописного полотна. Автор настаивает на эскизности изображаемого и упаковывает идею в формат карты. Референсом послужила карта, составленная в 1929 году орочским шаманом Сиану (Савелием Максимовичем) Хутунка, на которой изображено путешествие и перевоплощение человеческой души в загробном мире. Работу Гаршин увидел в качестве экспоната в Музее истории Дальнего Востока им. В.К. Арсеньева и решил оттолкнуться от нее сюжетно и смыслово. Об этой карте была написана этнографическая статья путешествовавших в том году к орочам сотрудников Музея антропологии и этнографии им. Петра Великого Академии наук СССР В.А. Аврорина и И.И. Козьминского. Идея экспедиции к тунгусо-маньчжурским народам зародилась еще у отбывавшего до 1897 года на Сахалине ссылку этнографа Л.Я. Штернберга. И если А.П. Чехов переписывал на острове каторжных и ссыльных, то профессору Штернбергу поручили исследование коренных народов. По его следам уже после его смерти отправились В.А. Аврорин и И.И. Козьминский, которые встретились с шаманом Савелием Хутункой и зафиксировали его карту и ее расшифровку в публикации 1949 года, вышедшей от Музея антропологии и этнографии. Текст подробно описывает, почему в загробном мире все наоборот, а Евразия на карте изображена в виде безрогого лося, а также описывает долгий путь души к лунной земле и обратно в перерождение, который заканчивается тем, что «душа падает на нашу землю, попадает в какую-нибудь женщину, и в результате этого родится новый человек». Поверхностно судить о данных представлениях как о «первобытных» или «наивных» означает вписывать их в строгие рамки позитивного научного знания. Шаманистские же знания выходят за пределы современной науки и являются зеркалом множества космологий, не признанных модернистской научной парадигмой прогресса и цивилизации.

Кирилл Гаршин: «Мой проект — это космическая карта, путешествие по загробному миру некой сущности или духа красной водоросли, из которой можно сделать краску (а, может, и нельзя). Это история того, как красные водоросли выглядят, если представить, что это живое существо, которое вечно ускользает от меня. Оно проходит процесс трансформации: зарождается, растет, его собирают люди. В конце концов водоросль умирает и перерождается в нечто иное».

Карты как навигационный медиум и объект научного знания о географии или устройстве того или иного пространства как бы претендуют на объективность научного документа, при этом часто в самой их композиции или деталях прочитываются достаточно субъективные время и место, а также условия их появления. Как отмечает исследователь Софья Гаврилова в своей статье «Потерянный и возвращенный Катар», «трепетное отношение к карте как к вершине познания мира, уходит корнями в эпоху географических открытий; в силу затрудненного обмена знаниями они предлагали свое собственное уникальное представление о картине мира». Гаршин же намеренно дистанцируется от авторитарной роли карт как позитивистского и модернистского проекта и вводит в свою карту цикличность как метод взаимосвязи всего живого и неживого через размечание их неустойчивых позиций. Теоретик географии и географ Борис Родоман называет карты, изображенные не по правилам классической картографии, «картоидами».

О непрерывности и взаимосвязи природного и человеческого написано много: из последнего можно отметить труд Эдуарда Кона «Как мыслят леса: к антропологии по ту сторону человека» (2013) и текст Анны Лёвенхаупт Цзин «Гриб на краю света. О возможности жизни на руинах капитализма» (2015). Если вторая книга анализирует агентность грибов мацутаке, то первая выстраивает оптику руна-пума — коренных жителей Амазонии, которые умеют «превращаться» в ягуаров, чтобы хищники принимали людей за своих сородичей. Образ оборотня вводит в свою работу и Кирилл Гаршин.

Художник прибегает к гипертрофированности через категорию «жуткого». Зигмунд Фрейд, например, понимал жуткое как «разновидность пугающего, которое имеет начало в давно известном, в издавна привычном». Дух красной водоросли, выступающий на звездной карте в качестве номада вместо человеческой души, проходит различные стадии трансформации во время своего пути. Из волокон морского растения сплетаются антропоморфные тела, в которых воплощается довольно страшный образ человечества — общества, эксплуатирующего природу и оказавшегося в итоге эксплуатируемым ею самой. Это некая новая форма человека, люди-мутанты.

Проводя аллюзию от морских глубин к космосу, Гаршин, подобно Тарковскому в «Солярисе», создает непознанную человеком параллельную вселенную. Невидимая грань между воздухом и морской гладью, похожей на пленку мазута, в сюжете, заложенном художником, словно является водоразделом между нашей планетой и бесконечностью космоса.

  • Справка:

Кирилл Гаршин (род. 1990, Воронеж) окончил Воронежское художественное училище по специальности «художник-педагог». Избранные персональные выставки: Персональный стенд на Cosmoscow (Москва, 2022), «Мечты о небесных светилах на чёрной земле» (галерея «Х.Л.А.М.», Воронеж, 2020), «Ночные животные» (галерея «Сцена», Москва, 2018). Избранные групповые выставки: «Комната для всех» (галерея «Сцена», Москва, 2023), Первая триеннале российского современного искусства (музей «Гараж», Москва, 2017), «В славном городе Воронеже» (ЦСИ «Винзавод», Москва, 2016), IV Московская международная биеннале молодого искусства (Музей Москвы, Москва, 2014).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»

3—24 СЕНТЯБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

2 СЕНТЯБРЯ / 18:00—20:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА / 0+

  • Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Манту Дас — художник, работающий в г. Веллуру (Индия) в технике живописи и двумерных световых инсталляций. Живописные работы Манту носят повествовательный характер, часто построены в стилистике коллажа и отражают авторский взгляд на социально-экономические и культурные реалии неолиберального мира. В световых инсталляций можно проследить идеи утраченного наследия и канонов, образы социальных изменений, потерю или размытие понятия родины. Работа со светом привлекает художника политикой невидимости света как такового: преломляясь под разным углом, он высвечивает параллельные сюжеты, не всегда осязаемые и создающие ощущение ирреальности, но в конечном итоге соединенные в единое повествование.

Владивосток — современная торговая и культурная столица Дальнего Востока России — был построен не за один день. Как и многие другие мегаполисы мира, за последние десятилетия он также претерпел кардинальные изменения, постепенно двигаясь к тому, чтобы стать футуристическим городом. Манту Дас наблюдал на своей родине подобные проекты стремительной урбанизации, которые не только изменили девственные ландшафты, но и стерли воспоминания о культурном прошлом. Города, которые мы называем своим домом, были построены в основном маргинализированным рабочим классом, который в значительной степени был забыт или остался незамеченным историей. Работы художника посвящены коллективной борьбе этих людей, а также критике человеческих амбиций, связанных с модернизацией. С помощью проекта Манту Даса зритель может пройти через два разных ландшафта Владивостока и переосмыслить эти переходы во времени.

При первом преломлении света инсталляция изображает группу бурлаков, тянущих известный всем местным жителям памятник «Борцам за власть Советов на Дальнем Востоке» авторства Алексея Тенета, — пожалуй, самую заметную достопримечательность и центральный мемориал Владивостока. Фигуры бурлаков, представленные в инсталляции, скопированы со знаменитой картины Ильи Репина, написанной в 1870-х годах и отражающей тяготы этой группы населения. Манту Дас вводит в сюжет расхожий образ летящей чайки — символ свободы, выживания и надежды, указывающей путь бурлакам. На дальнем плане перед зрителем возникают сопки, которые раньше были частью лесного ландшафта. В величественной позе можно увидеть амурского тигра, когда-то бесстрашно бродившего по этим местам. В левом верхнем углу появляется маяк Токаревского — одно из первых современных сооружений в этом месте. При изменении направления света на втором кадре открывается панорамный вид на современный Владивосток.

Пасторальный пейзаж превращается в безлюдные бетонные джунгли, где на горизонте видны небоскребы. Рабочие с предыдущего снимка растворяются в воздухе, оставляя после себя лишь памятник и маяк, свидетельствующие о течении времени. Тигр исчез, что говорит об утрате среды обитания. Его территория превратилась в центр космических исследований — видна ракета, которая устремляется ввысь, к далекой галактике. Открытое небо, где когда-то свободно летали птицы, теперь занято искусственным воздушным шаром.

Зрителям предстоит ответить на вопрос: как они идентифицируют эти перемены и как с ними справляются?

  • Справка:

Дас Манту (р. 1985) имеет степень магистра факультета изящных искусств в Университете Вишва-Бхарати по специальности «Живопись». Участник групповых и персональных выставок (Индия, Южная Корея, Тайвань), участник международных резиденций (Индия, Россия, Ирландия, Чехия, Тайвань).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

6—21 МАЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

6 МАЯ / 18:3020:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

  • Авторские экскурсии: 7 и 8 мая в 16:00
  • Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Елизавета Наркевич обращается к исследованию Владивостока в период его закрытого советскими властями статуса, задаваясь вопросом, от кого город был закрыт в течение сорока лет и как это повлияло на его жителей. С одной стороны, это место было дальневосточным «окном в мир» — именно отсюда многие суда уходили в длительные международные рейсы, а у советских людей была редкая для того времени возможность побывать за рубежом. С другой стороны, «закрытость» города зачастую не позволяла попасть сюда даже гражданам СССР из других городов, если они не работали во Владивостоке или не имели местной прописки и приглашения от жителя. Художница ищет следы того периода в воспоминаниях свидетелей, а также посещая порт, бывшие военные объекты (ныне музеефицированные государством) и заброшенные места. В поисках визуальных примет позднесоветского периода Владивостока Наркевич намеревается передать фактуру города с особым статусом и скрытые нарративы того периода.

Для Наркевич важно искусство взаимодействия: включая в методологию исследования интервью на этапе подготовки проекта с непосредственными свидетелями предмета своего исследования, она также «подсвечивает» детали быта горожан того периода в своей итоговой инсталляции. Археология повседневности составляет концептуальную рамку проекта Елизаветы, распадаясь на конкретные артефакты (кухтыль, бобина, «мордушка»), забытые привычки и социокультурные особенности, привнесенные особым статусом Владивостока в его дальнейшее развитие после распада СССР.

Как живописцу, Наркевич важно сопротивление материала: будучи художником с профильным образованием, она не пишет на холсте, выбирая альтернативные поверхности: роспись по металлу, стеклу и ткани. Аккуратные отступления от академизма художница постепенно взращивает в исследовательский подход к изображаемому. Она пишет работы на исторических окнах XX века, подчеркивая их отжившую функциональность. Наркевич также выполняет живопись на ржавом металле или делает коллажи на джинсах, в которых путешествует по миру. Автостопщицу со стажем, её волнует понятие «свободы» и его границы, в частности свободы перемещения и высказывания.

Елизавету интересуют социальные установки, образующиеся в закрытых сообществах и правила, по которым живут люди в результате коллективного договора. Примером таких правил художница выделяет обращение человека с забором (стеной, оградкой) как неким порталом, разделяющим и навязывающим свои ограничения, пройти через который под силу лишь тем, кто знает определенный свод устных правил или же готов их нарушить и установить свой. Фактически, и в закрытый Владивосток иногородние попадали, выходя из поезда на пригородной станции «Угольная» и пересаживаясь, в обход пограничникам, на электрички, идущие в город. Повторяя и переосмысляя маршрут «контрабандистов», художница актуализирует миф об альтернативных вселенных и недоступных территориях сегодня.

В арт-резиденции «Заря» Елизавета продолжает свою серию джинсовых коллажей «Штаны-путешественники», все больше меняя по мере своего исследования фокус от закрытости Владивостока к его внутренней свободе и силе воли его жителей. Вдохновившись историей из молодости коллекционера и филантропа Александра Городнего, который однажды пририсовал на живописном холсте в процессе реставрации изображенным матросам джинсы, Лиза также отталкивается от им же созданной серии «джинсовых тетрадей»: в 1970-80-е Городний буквально перерисовывал обложки редких виниловых пластинок, попадавших во Владивосток контрабандой с морских плаваний, в свои блокноты, дотошно повторяя дизайн и создавая, таким образом, своеобразный архив запрещенной музыки и медленного времени.

Во время своего исследования Елизавета встретила множество единомышленников: в их числе Надежда Антышева — художница и морячка, Михаил Павин — фотохудожник, служивший на флоте, и многие другие. Почти все они романтизируют советский Владивосток: «Люди во Владивосток ехали в поисках свободы смелые и предприимчивые, романтики и авантюристы, их манили морские просторы, в которые смело и одухотворенно вглядываются лишь внутренне свободные люди. Тем, кто достиг тихоокеанского предела и не побоялся пройти через трудности становления, было очень нелегко начать свою жизнь здесь заново. Как нелегко было и их потомкам, и людям, которые уже гораздо позже ехали на Дальний Восток и во Владивосток со всех концов СССР, кроме всего прочего, и за этим самым ощущением свободы и романтики. Ну а тот факт, что город долгое время был закрытым, лишь подчеркивает степень решимости суровых смельчаков», — замечает Надежда Антышева. Однако множество исследователей постколониального дискурса сегодня (в их числе, например, Александр Эткинд) настаивают на изучении захватнических способов освоения Российской империей своих отдаленных окраин, а также траекторий попадания советских граждан на Дальний Восток во время сталинских репрессий и пропагандистской политики заселения отдаленных от Москвы территорий (примером излишней романтизации в рамках советской пропаганды служат знаменитые «хетагуровки» в Амурской области).

  • Справка:

Елизавета Наркевич (род. 1977, Москва) — художница и скульптор. Окончила Московское академическое художественное училище памяти 1905 года по специальности «Художник театра» и ВГИК по курсу «Художник кино и телевидения». Участница групповых выставок, среди которых: «Здесь на Таганке» (галерея Андрея Бартенева «Крюкриноксы», Москва, 2020), «Новые энергии» (Арткластер Гамма, Москва, 2021), «Москва — Среда обитания» (Дарвиновский музей, Москва, 2022), а также персональной выставки «Суп Культуры» (Арт-Пространство «Девятка», Тула, 2022)

ВХОД СВОБОДНЫЙ

*Измененная строка «Открыт закрытый порт Владивосток» из песни Владимира Высоцкого «Москва-Одесса» (1978 г.)

Яна Гапоненко, куратор, ментор арт-резиденции «Заря»

28 ЯНВАРЯ — 5 ФЕВРАЛЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

28 ЯНВАРЯ / 18:0020:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

  • Авторские экскурсии: 29 января в 15:30 и 16:00
  • Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Саша Бухарина вдохновляется ар-брютом, «наивным» и «первобытным» искусством. В медиумах она тяготеет к графике и живописи, а также ведет свои рисовальные дневники, некие путевые заметки повседневности. Один из таких дневников Книга учета от 1 февраля 2022 года — будет представлен на выставке по итогам арт-резиденции «Заря» как работа в процессе. В своем творчестве художница исследует духовную разобщенность общества и собственное психологическое состояние в этой связи. Весной 2022 года художница издала совместный с Анастасией Самбурской зин со стихами и графикой. Бухарина работает со своими личными состояниями деперсонализации (расстройства самовосприятия личности и утрата чувства собственного «Я») и дереализации (сопровождающееся статусами «уже виденного» или «никогда не виденного») и, в конечном итоге, перерабатывает испытываемые эмоции в немой язык образов. Ранние работы Бухариной по степени тревожности, исходящей от изображаемого художницей, сравнивают даже с «Герникой» Пабло Пикассо.

В работах, сделанных во время арт-резиденции, художница манифестирует одиночество человека в толпе. Для нее, как и для многих местных резидентов обновленного сезона в «Заре», это первый опыт персонального проекта. При этом она, словно губка, впитывает вдохновение от соратников и единомышленников, окружающих ее повседневно. Резидентка галереи «Порт», Бухарина является активной участницей одноименной художественной самоорганизации. Для нее процесс рисования схож с терапевтическими практиками по силе воздействия на нее саму. Ее практики ведения дневников — своего рода эскапизм от реальности в воображаемые миры художницы. Своей первой сознательной работой Саша называет диптих «Дом солнца», который она обменяла у прохожего на его стихотворение. Свои ранние работы Бухарина характеризует как пропитанные болью и скорбью. Она часто изображает людей без определенного места жительства или представителей сообщества рома («цыган»), при этом сюжетно они изображены у крестов и могил на фоне красного заката, в состоянии одиночества. Тема смерти у Бухариной визуализируется в пограничных состояниях изображенных на ее работах — предсмертная агония, похороны, трансформация тела в почву. Одну из работ она строит на лингвистической игре и, назвав ее «Игра в ящик», буквально изображает ящики с портретами людей. Серия «Танцы с болью» нарисована в блокноте красной ручкой, что называется, «на ходу». Многие работы художница создает на улицах как в блокноте по пути куда-то, так и на стенах города. И многим присваивает темы уже постфактум — так сцена, нарисованная практически автоматическим письмом, после написания сюжетно развернулась в историю из сказки «Кошкин дом». Оммаж на «Купание красного коня» художница пишет поверх использованной учебной композиции и авторски интерпретирует сюжет как «Купание красной фуры», при этом именно фуру, падающую с высоты утеса в воду, она называет главным героем этой работы. На ней изображен некий библейский хаос, напоминающий наводнение, а конь — единственный персонаж работы со спасательным кругом.

Один из ключевых персонажей в живописи и графике Бухариной — то, что художница сама называет «анимус», некий социальный конструкт ее альтер-эго. Анимус — это антропоморфный «аватар» автора, бесполое существо, посредством которого она ведет коммуникацию со зрителями изнутри своих зарисовок. Работая с собственными внутренними ограничениями, влияющими на ее личную оптику восприятия мира, она заходит на территорию социальной антропологии, подчеркивая разрыв между реальным объектом и его представлением на своих работах, а также устным описанием, которого Саша старается избегать.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»

21—26 ЯНВАРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

21 ЯНВАРЯ / 18:0020:00 / ПРЕЗЕНТАЦИЯ ПРОЕКТА

  • Авторские экскурсии: 22 января в 15:30 и 16:00
  • Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»


Свет с Венеры отразился от верхних слоев атмосферы и вызвал взрыв болотного газа (с)

Юля Утюгова в своих художественных практиках опирается, помимо прочего, на исследование мифологии места. Родившись в г. Дальнегорск на севере Приморского края, она с детства помнит местные легенды об упавшем в их краях в 1986 году метеорите. Юля вспоминает, как остатки метеорита оказались в руках ее мамы, специалиста по сплавам металлов, но вскоре были конфискованы спецслужбами. При этом в Википедии отсутствуют статьи об инциденте с метеоритом (или НЛО) в Дальнегорске на русском и английском языках.

Уфолог Валерий Двужильный описал тогда это явление как свидетельство внеземной жизни, дав месту падения метеорита название «Высота 611». Высота 611 — это и топоним, относящий нас к сопке Известковая в Дальнегорске на севере Приморского края, и общее название для обозначения места предполагаемого падения НЛО, и даже наименование газеты, издававшейся как платформа для дискуссий об аномальных явлениях. Экспедиция Валерия Двужильного более 30 лет назад обнаружила следы высокотемпературного воздействия на обозначенной высоте и положила начало продолжающейся по сей день, отчасти спекулятивной, конвертации легенды о падении НЛО в последовательное брендирование территории. Мифология места стала темой исследования Юли Утюговой в арт-резиденции «Заря», во время которой она обращается к теме экзотизации локального, а также к теме ксенофобии. Встраиваясь в логику противопоставления «своих» и «чужих», Утюгова изобразит в свойственной ей технике тафтинга — виде текстильного производства — сюжет похищения тигра представителями НЛО, который художница разворачивает не случайно: тигр стал расхожим символом Приморского края и вызывает эмпатию как местный образ. Но насколько возможно сочувственное межвидовое совместное проживание в наше время?

Анималистика в сюжетах и яркие колористические решения берут корни в Юлином детстве, когда та наблюдала за увлечением ее мамы учением «фэншуй». Юлю также интересуют различные проявления девиации (отклоняющегося от общепринятых норм поведения). Перед стартом резиденции художница признается, что наткнулась на подкаст о философии восприятия инопланетян людьми и начала изучать особенности такого литературного жанра как «космический ужас». Художница утверждает, что, несмотря на допущение жизни без определенной идентичности и на страх того, что искусственный интеллект однажды превзойдет человеческий, ее проект исходит из допущения антропоцентризма. «Я бы хотела перенести идею антропоцентризма в неживую обстановку лишенную био-качеств, — говорит Утюгова. — Вроде того, как работает гештальт-терапия, когда ты награждаешь объект своими страхами и чувствами (или идентифицируешь его с собой) с целью деконструкции ситуации/страха/чувства и последующим излечением. Мне кажется, что Приморский край — отличное поле для разыгрывания такой гештальт-практики. Потому что тут сосуществует вместе сразу очень много разного: разные климатические биосферы, разные народы и т.д. Очень легко в такой обстановке словить все признаки главного героя жанра космического ужаса касаемо противопоставления себя чужакам, или обнаружения чужого в себе».

Учение об НЛО (уфология) строится на идее чуждости, инаковости, девиации. Оно призвано оставить предмет максимально неисследованным, чтобы не сокращать дистанцию между ним и субъектом (человеком). Аналогично мифологическое сознание древних людей наделяло особой непостижимой силой богов для объяснения себе природных явлений, превосходящих силу человека. Проводя параллель с современностью, можно утверждать, что современный человек видит такую силу в искусственном интеллекте, потенциал которого до конце неизвестен и которого можно будет наделить в будущем всей ответственностью за проступки человека.

  • Справка:

Юля Утюгова — художница. Закончила МГХПА им. Строганова, кафедра МДмДПИ (керамика и металл). В своем творчестве рассматривает национальность, идентичность, мифологию, социальное пространство, особенности сознания и восприятия. Работает с декоративно-прикладным творчеством, графикой, фотографией, видео, цифровым искусством. Участница групповых выставок в ЦСИ «Артэтаж» (Владивосток, 2022), Дизайн-заводе «Флакон» (Москва, 2021), Государственном Дарвиновском музее (Москва, 2019), Культурном центре ЗИЛ (Москва, 2019), Галерее «ГРАУНД Песчаная» (Москва, 2019).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»


14—19 ЯНВАРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

14 ЯНВАРЯ / 18:0020:00 / ОТКРЫТИЕ ИНСТАЛЛЯЦИИ

  • Авторские экскурсии: 15 января в 15:30 и 16:00
  • Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Виктор работает с альтернативной печатью, коллекционирует вымышленные архивы и воссоздает забытые истории. Представленные объекты — своего рода эскиз новой большой работы, над которой Виктор размышляет последние пару лет. Опираясь на наследие Ильи Кабакова, Грегора Шнайдера, Эдварда Кинхольца и других художников, работающих с конструированием ситуаций, он играет с линейностью времени и альтернативными сценариями жизни выдуманных персонажей. Зритель видит эскиз пространства, забытого после смерти хозяина. Оно наполнено вроде бы знакомыми вещами, при ближайшем рассмотрении оказывающимися предельно странными и нефункциональными. Эти предметы свидетельствуют о продолжительной болезни их создателя и о его маниакальной привычке собирать и конструировать необычное.

Так, вытянутый полукругом и завернутый кольцами объект из яичной скорлупы, состоящий из многочисленных слоев, напоминает о невозможных фигурах и свидетельствует о незаурядном инженерном уме его автора. Этот объект, созданный из понятного (хотя и непривычного) материала, представляет собой неожиданный, почти мистический результат ручного труда. Развивая свою идею о найденном архиве неизвестного изобретателя, Хижняк включает в экспозицию и руководство по изготовлению такого предмета.

Одним из прототипов персонажа Хижняка можно считать знаменитого конструктора и архитектора с острова Сахалин (чье имя не может быть раскрыто), участника выставок неофициального искусства в Москве 1980-х и автора ряда кинетических инсталляций, которые он собирал из одинаковых найденных элементов.

Работа Виктора в резиденции ставит одной из своих целей создание лиминального пространства — пограничного состояния, вопрошающего сам феномен появления какого-либо объекта или ситуации в реальности. Кажущаяся на первый взгляд абсурдной конструкция из скорлупы на поверку оказывается эстетически чистым воплощением идеи первоначала.

Герой Хижняка подчеркивает свою смертность фактом явленности зрителю лишь после своего ухода. При этом, по словам художника, герою свойственен «дефект жизни в городской квартире», с которым герой преобразовывал пространство вокруг себя. Будучи сам коллекционером и собирателем всевозможных предметов, Виктор Хижняк конструирует выдуманный мир, в котором время консервирует историю, «мумифицируя» различные объекты, а смерть становится свидетельством жизни человека.

  • Справка:

Виктор Хижняк (род. 1997, Владивосток) получил среднеспециальное образование по направлению «Фотография», с 2017 по 2021 год проходил обучение в Дальневосточном федеральном университете по специальности «Философия». Работает в техниках гравюры, офорта, альтернативной печати, фотографии, издает авторские зины в созданном им печатном доме «Авонахус». Обращается к спекуляции и фикции как методу построения нарратива вокруг своих работ. Участвовал в ряде групповых выставок, в том числе «Путь-муть» (галерея «Пространство», Владивосток, 2019), «Однажды сегодня: путешествие» (галерея «Портарт», Владивосток, 2020), «Чешусь» (галерея «Портарт», Владивосток, 2020), «Активная плоскость» (галерея «Портарт», Владивосток, 2021). Живет и работает во Владивостоке.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»

24 ДЕКАБРЯ 2022 – 15 ЯНВАРЯ 2023 / ЧИТАЛЬНЫЙ ЗАЛ

24 ДЕКАБРЯ, 18:30—20:00 / ОТКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

  • Авторские экскурсии: 25 декабря в 15:30 и 16:00
  • Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Лиза Козловская — художница, определяющая себя как «вокалистка, костюмер, рукодельница и икона стиля», участница художественного движения ДВР. Своей художественной задачей Лиза считает создание системы символов для конструирования художественного метаэтноса и предельного украшения действительности. Метаэтнос в терминологии движения ДВР — это общность, в которой люди приходят к единству не через национальные или территориальные связи, а через особенный вид взаимного чувствования, который можно назвать духовным родством.

В своих работах — одежде и аксессуарах, для создания которых она использует текстиль, вышивку и бисер, художница анализирует региональное этнографическое знание, в то же время фиксируя время и место, в которых она со-существует с соратницами по движению ДВР. Для Лизы также важен процесс художественного наследования и родства: некоторые элементы своих проектов она заимствует из народного творчества и работ «наивных» художников, однако такое цитирование, по словам поэта Вадима Дунаева, является своего рода «эхом оригинала — не спорящим с ним, а усиливающим его звучание». Свои работы Лиза также любит передавать дальше из рук в руки — как реликвию.

Проект Лизы в арт-резиденции «Заря» выстроен вокруг картины «Филиал Вечного града», написанной ее братом — художником Николаем Козловским (творческий псевдоним — Ахъярик Козлический), которую она повторяет в технике бисерного ткачества. «Филиал Вечного града» воплощает для Ахъярика утопическое видение, урбанистический мираж, а Лиза прочитывает в нем потенциал для укрытия от земных невзгод.

Картина «Филиал Вечного града» (2022) была написана по мотивам одноименного керамического панно, эскпонировавшегося на персональной выставке Ахъярика Козлического в ЦСИ «Артэтаж» в 2020 году. В правом нижнем углу изображено существо с горном (оно часто присутствует в работах Ахъярика) — это ангел, приснившийся художнику около 15 лет назад. В «Филиале» ангел — существо женского пола с глазами стрекозы, чья плоть состоит из стали. Свечи, установленные на космическом корабле (центральном элементе картины), — символ памяти об ушедших людях и причастности к вечности и древним знаниям. В нижней части холста стоит шахматный стол — для Ахъярика это взлетная полоса космического корабля, который также можно интерпретировать как своего рода Ноев ковчег.

Во время показа вышивки «Вечный град» в «Заре» Лиза материализует этот стол в экспозиции — он будет установлен перед работой наподобие алтаря. Перед выставкой в «Заре» «Вечный град» будет отвезен в важное для художницы место — скалу на острове Русский, которую участники ДВР прозвали между собой скалой Каганского, в честь участника движения ДВР Александра Каганского, а после Владивостока работа займет свое место в резиденции ДВР в поселке Горноводное.

Таким образом панно станет частью общей системы артефактов метаэтноса группы, процесс экспонирования — своеобразным актом причастия, а только что созданный рукодельный предмет — соизмеримым в своей важности с предметом музейным.

  • Справка:

Лиза Козловская (род. 1990, Владивосток) — художница. Окончила Владивостокский государственный университет экономики и сервиса по специальности «Дизайн». С 2018 года — участница художественного движения ДВР. В 2021 году в галерее «Арка» (Владивосток) прошла ее выставка «Солнце встает и солнце садится» (совместно с Миланой Пестеревой). Принимала участие в групповых выставках «Временное явление» (галерея «32дня», Иркутск, 2019), «Неявные отношения» (ars Котельная, Томск, 2020), II Иркутская молодежная самоорганизованная горизонтальная микробиеннале 3(2) дня (2021), «Она была красива как русский пейзаж» (Музей современного искусства PERMM, Пермь, 2022), «Однажды сегодня: Ветер» (галерея «Порт Арт», Владивосток), «Свет как чувство» (Приморское отделение Союза художников России, Владивосток). Живет и работает во Владивостоке.

Николай Козловский (Ахъярик Козлический; род 1981, пос. Тавричанка, Приморский край) — художник. Окончил Дальневосточный государственный технический университет (Владивосток) по специальности «лингвист» (2003) и Дальневосточный федеральный университет (Владивосток) по специальности «географ» (2013). С начала 2010-х работает в керамике, с 2021-го — в живописи. Провел персональную выставку керамических панно «Шизоокеания» (совместно с Вадимом Дунаевым и Сергеем Иноземцевым; Центр современного искусства «Артэтаж» Владивосток, 2020). В 2022 году в составе группы ДВР участвовал в выставке «Она была красива как русский пейзаж» (Музей современного искусства PERMM, Пермь). Живет и работает во Владивостоке.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»

10—15 ДЕКАБРЯ / МАСТЕРСКАЯ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ЗАРЯ» (ЦЕХ ЦРМ, ВХОД 4)

10 ДЕКАБРЯ / 17:0020:00 / ОТКРЫТИЕ ИНСТАЛЛЯЦИИ

17 ДЕКАБРЯ / 18:0020:00 / ПЕРФОРМАНС «НАИТИЕ»

  • Авторские экскурсии: 11 декабря в 15:30 и 16:00
  • Вход свободный. Для посещения обращайтесь на ресепшн ЦСИ «Заря»

Для Миланы Пестеревой нет существенных различий между воображением и реальностью — реальность в ее графических работах часто расширена до пространства космоса и в целом сосредоточена на дуализме повседневного и вымышленного. Художница распаковывает свойственную ей экспрессивность, часто повторяя в своих графических и живописных работах мандорлу — миндалевидной ореол, символизирующий выход за пределы формы, плоскости и материи. Милана изображает мандорлу в виде большого взрыва, в стилистике, граничащей с поп-артом. Еще один часто встречающийся символ в ее работах— четырехконечная звезда, символизирующая стороны света. Сама художница объясняет ее значение следующим образом: «Четыре стороны света -> Планета Земля -> Земное существо -> Человек -> Компас -> Поиск верного пути -> Сияние».

Другой элемент ее работ — дневниковые зарисовки в графике о бытовых и природных ситуациях, существующих на грани реальных событий и сна, например, о разрушенных тайфуном мостах или полетах над деревней. А сами материалы, с которым чаще всего работает художница — пастель и пряжа,— задают мягкость и неуловимость высказывания.

Художница любит наблюдать за судьбой своих произведений: так, платок с вышитыми колокольчиками был перевезен ею в тайгу на севере Приморского края и стал привлекать крупных бабочек, которые извлекают своими крыльями из платка звуки, а помещенное в лес сотканное платье с вышитыми стихами ее друзей заинтересовало птиц, которые постепенно выклевывали из него пряжу, унося с собой часть работы.

Сегодня Милана Пестерева находит вдохновение во взаимодействии с коллегами по группе ДВР, уехавшими в село Горноводное на севере Приморского края для создания там пространства «радостного со-бытия и веселия сердца». В глуши таежной резиденции Пестерева практикует коллективное существование в обустраиваемом доме, постепенно засеивая огород и не оставляя ни на день рисование и вязание. Ручной труд помогает художнице«заземлиться» и почувствовать ход времени.

Идея связать крючком дом в натуральную величину, с которой Милана пришла в резиденцию «Заря», зародилась по той же причине любви к ручному труду. Художница преобразит пространство мастерской в вязаный дом, который после завершения проекта будет трансформирован в серию функциональных объектов: его стены можно будет буквально примерить на себя — в качестве одежды. Так созданное из пряжи убежище для уединения становится соизмеримым с человеческим телом и сливается с ним. Дом, который можно надеть на себя, полон цветовой экспрессии и орнаментов из повторяющихся геометрических форм. В своей предельной ограниченности форм и цвета вязаный дом Пестеревой отсылает к«Триадическому балету» Оскара Шлеммера и к традиции использования цвета в костюмах для танцев. Наследие Баухауса (немецкой школы дизайна, где преподавал Шлеммер) подсознательно выкристаллизовывается в междисциплинарности художественного высказывания Пестеревой, в ее игре с (дис)функцией объектов и в коллективном подходе к своей практике.

Экспозиция одежды, в которую превратится инсталляция с домом 17 декабря, будет представлена зрителю через неделю после выставки «Домик у реки». Посетителя ждет перформанс, где художница предстанет в тотальном коконе одежды и будет присутствовать до последнего посетителя.

  • Справка:

Милана Пестерева (Чарая) (род. 1997, Владивосток) — художница. Окончила Владивостокское художественное училище (2016). С 2017 года — участница Владивостокской школы современного искусства (ВШСИ), с 2019-го — художественной группы ДВР. С апреля 2022 года живет и работает в таежной резиденции, созданной группой ДВР в поселке Горноводное на севере Приморского края.

Избранные персональные выставки: «Чарая» (галерея «Арка», Владивосток, 2020), «Солнце встает, и солнце садится» (совместно с Елизаветой Козловской-Каганской; галерея «Арка», Владивосток, 2021). Избранные групповые выставки: «Весна блаженная» (Центр современного искусства «Заря», 2019), «О чем поют русалки» (Центр современного искусства «Артэтаж», Владивосток, 2021), «Семь планов солнечной системы» (галерея «Коробка», Владивосток, 2021), Fun is over (самоорганизованная галерея Fun is over, Владивосток, 2021), II Иркутская молодежная самоорганизованная горизонтальная микробиеннале 3(2) дня (2021), «Свадьба ДВР» (павильон на Морском вокзале, Владивосток, 2021), «Александр Городний сейчас полон надежд» (павильон «Третьяковка в движении»,Владивосток, 2021), «Она была красива как русский пейзаж» (Музей современного искусства PERMM, Пермь, 2022) и др. Участница проекта «В единственном экземпляре» (в составе группы ДВР) Музея современного искусства «Гараж» (Москва, 2021). Лауреатка Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация» в номинации «Новая генерация» (в составе группы ДВР; 2020).

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Текст: Яна Гапоненко, ментор арт-резиденции «Заря»