22 АВГУСТА – 10 СЕНТЯБРЯ 2013
Spur/«След» - первый объект, созданный в Центре современного искусства ЗАРЯ, материальный результат одноименного перформанса Йингмей Дуань/Yingmei Duan (Брауншвейг), Анны Парменовой и Валентины Пчелинцевой (Владивосток). 22 августа художницы пригласили жителей и гостей города оставить свой «след» в истории современного искусства - на поверхности белого холста, tabula rasa, новой страницы в истории бывшей швейной фабрики каждый посетитель Центра ЗАРЯ мог оставить «отметку о присутствии» - свой автограф, знак или символ, с которым ассоциирует свою жизнь, личность, перспективы. Все «следы» зафиксированы на холсте ручной вышивкой. Над созданием объекта художницы работали больше двух недель, по 7 часов ежедневно.
Перформанс вдохновлен идеей «памятников дружбы и общения» - салонных альбомов с коллекциями автографов, рисунков и пожеланий, ставших знаковым атрибутом дворянских гостиных XIX века – центров передовой художественной мысли той эпохи. Одна из таких коллекций – скатерть зеленого сукна, сохранившая больше 70 автографов Толстых и их друзей, – вышита старшей дочерью Льва Николаевича Татьяной в годы пребывания семьи в Москве, в усадьбе «Хамовники».
На поверхности современного «Следа» простые и узнаваемые образы-идентификаторы – велосипед, фотокамера, кот, кит, самолет, кофе, конфета, гитара, автомобиль – соседствуют с сюрреалистическими персонажами, мемами, отечественными и интернациональными символами различных субкультур («За ВДВ», Пацифик, эмблема «Пиратов Соломенной шляпы» из манги One Piece…), логотипами транснациональных гигантов (Toyota/Canon/Nikon) и личных коммерческих инициатив участников перформанса – сайтов, студий, агентств, магазинов.
«След» - способ собрать многоликий портрет современной активной аудитории, зафиксировать приметы времени и тропы будущего на «жертвенной» плоти искусства, готовой принять на себя проекции нашего воображения. «След» - призыв подумать о функции современного искусства. Сравнить его с фикцией/PR-акцией или, напротив, с таинством «узнавания» мира через коммуникацию со зрителем, назвать новой старой сказкой про голого короля или актом шрамирования лучших начинаний штампами консьюмеризма. На первый взгляд «След» - это фактологический срез, констатация очевидного: жизнь большинства строится вокруг котиков, мечтаний о мире во всем мире и благополучия собственного малого бизнеса, редкие интеллектуальные интервенты стебутся над форматом, аккуратно отрисовывая логотипы транскоров, а потенциально хорошие художники (один, максимум два) оставляют неожиданно красивые и ёмкие визуальные метафоры собственного мироощущения, заметные на полотне не с первого и даже не со второго взгляда.
Взгляд абстрактный, рекомендуемый – отвлечься от оценки частного, определить для себя, в чем смысл новых форматов взаимодействия художника и зрителя. «След» – один из поводов задуматься о миссии художника. Что представляет собой этот объект и предшествующий ему процесс? Новый способ аналитического портретирования или эффектный социальный жест? Попытка переложить ответственность на зрителя? Или акт самоистязания художника, героя нашего времени, готового подставить плоть своего искусства под поток радости, пошлости, любови или цинизма современников? Около 250 «автографов» на поверхности полотна - знак готовности зрителя изменить пассивное отношение к искусству, найти себя в нем, выступить в роли кон-художника – автора идеи (концепции), части целого – или голоса очевидности (каковым выступил один из участников перформанса, давший объекту новое имя, уточняющее исходное, - «Место для Вашей рекламы»).
ЙИНГМЕЙ ДУАНЬ (родилась в 1969 году в Даджине, Китай, живет и работает в Брауншвейге, Германия) – одна из учениц Марины Абрамович и Кристофа Шлингезифа, известных художников-перформансистов, обладателей «Золотых львов» Венецианской биеннале. Участница многочисленных выставок и фестивалей современного искусства по всему миру Дуань посвятила перформансу последние 12 лет своей жизни, исследуя первобытные страхи, желания и мотивы поведения людей в ходе долговременных перформансов. Каждый проект Йингмей Дуань длится от нескольких недель до нескольких месяцев, привлекая десятки тысяч зрителей и участников, реакция которых подсказывает художнице множество новых тем для перформативных практик.
АННА ПАРМЕНОВА (родилась в 1983 году в Приморском крае, живет и работает во Владивостоке) – художник, выпускница факультета живописи Владивостокского художественного училища (2003), в 2003-2004 годах училась в Дальневосточной академии искусств (ДВГАИ), в 2011 году окончила Санкт-Петербургскую художественно-промышленную академию имени Штиглица по направлению «Художественный текстиль», в настоящее время преподает художественный текстиль в интерьере и роспись по ткани в ДВФУ.
Польский культурный центр и ЦСИ ЗАРЯ представляют
«ТАНГО» ЗБИГНЕВА РЫБЧИНСКОГО В РАМКАХ ПРОЕКТА AN ARTIST FOCUS SERIES
21 ноября – 4 декабря 2013, кинозал Центра современного искусства ЗАРЯ, вход свободный
Сегодня «Танго» (1980) Збигнева Рыбчинского, польского режиссера и кинооператора, обладателя «Оскара» и «Эмми», по праву причисляют к лучшим образцам мирового видеоарта. В нем нет повествовательного сюжета, лишь концепция физически замкнутого пространства вынужденного человеческого общежития. «Коммунальной квартиры» абсолютно автономных героев, которым ритм танго позволяет не пересекаться друг с другом, поддерживая иллюзию личной независимости. На создание 8-минутного фильма художник потратил год своей жизни, населив коммуналку 36-ю «жильцами» без использования компьютерных технологий, на основе 16 000 раскадровок. По принципу «ожившего» фотографического коллажа Рыбчинский кропотливо собрал многослойную картину «танца жизни» - танго не только разных людей, но историю всех стадий развития человека - от младенчества до глубокой старости. Фильм начинается появлением в комнате мальчика с мячом, а заканчивается одинокой старушкой, подымающей мяч и покидающей комнату. Технически невероятно сложная для своего времени монтажно-композиционная работа Збигнева Рыбчинского не менее сложна концептуально. «Танго» - необычайно зрелый взгляд художника на человеческие взаимоотношения: этот фильм, по сути, сюрреалистический каламбур, в котором под музыку самого чувственного и страстного танца разворачивается вневременная история пронзительного равнодушия, монотонности и одиночества совершенно разных и таких одинаковых человеческих шестеренок.
1980, 8 минут
Збигнев Рыбчинский родился в 1949 году и получил образование в городе Лодзи, Польша. Всемирно известная Высшая школа кинематографии, телевидения и театра в Лодзи – одна из самых сильных в Европе. Здесь свой творческий путь начинали Роман Полански и Анджей Вайда, Кшиштоф Кеслёвски и Кшиштоф Занусси, Ежи Сколимовски и Анджей Мунк. В числе прославленных выпускников - режиссёр, продюсер, оператор, художник, сценарист и монтажёр Збигнев Рыбчинский. Он начал работать кинематографистом в Европе и США уже в 70-х, а в 1983 получил «Оскара» за лучший короткометражный анимационный фильм - «Танго». А затем «Эмми» - за спецэфекты в фильме «Оркестр». В списке наград Рыбчинского — MTV, American Video Awards, Golden Gate Award, Monitor Awards и the Billboard Music Video Awards. Рыбчинский преподавал кинематографию в Польше, был профессором экспериментального кино в Германии. В настоящее время живёт в Лос-Анджелесе, работает на Ultimatte Corporation и возглавляет собственный кинопродакшн Zbig Vision Ltd.
Центр современного искусства ЗАРЯ и ARTPROJX Cinema представляют новое видео в рамках проекта AN ARTIST FOCUS SERIES
«ДВИЖУЩИЕСЯ ИСТОРИИ»/MOVING STORIES, работа Николаса Провоста, с 1-20 НОЯБРЯ 2013 в кинозале Центра современного искусства ЗАРЯ, пн – чт: с 12:00 до 20:00, пт – вс: с 11:00 до 22:00
В своих работах Николас Провост исследует грамматику кинематографического языка, отношения между визуальным искусством и опытом создания полнометражного игрового кино. Собирая абстрактный видеоколлаж из фрагментов разных фильмов и текстов-ребусов, художник апеллирует к коллективной кинопамяти зрителей, провоцируя узнавание отдельных образов, кодов и форм или, напротив, недоумение в попытке разгадать истинный смысл увиденного. Видео Moving Stories – работа-конструктор, сверстанная из стокового киноматериала, находящегося в свободном доступе на соответствующих веб-сайтах. Кинорежиссеры часто используют видео со стоков в стремлении вписаться в бюджет собственного проекта – как результат, некоторые фрагменты их работ могут повторять ранее выпущенные фильмы или рекламные ролики. Трогательная история Провоста, смонтированная из нескольких, никак не связанных друг с другом, сцен полета пассажирских самолетов, трансформируется художником в драматическое повествование за счет диалога мужчины и женщины. В контрасте с мощным видеорядом Провост приводит незначительный, вырванный из контекста закадровый обмен репликами, давая лишь намек на сюжетную линию и, тем самым, максимально стимулируя воображение зрителя.
Николас Провост/Nicolas Provost (родился в 1969 году в Ронсе, Бельгия, в настоящее время живет и работает в Нью-Йорке) – художник и кинорежиссер. Его работы отмечены наградами престижных кинофестивалей, включая Sundance, Международный кинофестиваль Сан-Франциско, Cinevegas, Роттердамский международный кинофестиваль, Viennale, кинофестиваль Локарно. В списке персональных выставок Провоста – проекты в Музее искусств Сиэтла, Музее современного искусства Страсбурга, Muziekgebouw в Амстердаме, галерее Tim Van Laere в Антверпене, Haunch of Venison в Лондоне и Берлине. Работы художника приобретены Музеем Бирмингема (Великобритания), Музеем современного искусства Гента/ SMAK Gent и Королевским музеем изящных искусств в Брюсселе (Бельгия). Премьера первого полнометражного фильма Николаса Провоста «Захватчик» вошла в конкурсную программу Венецианского кинофестиваля 2011 года. Недавно он закончил фантастическую трилогию Plot Point, снятую скрытой камерой в Нью-Йорке, Лас-Вегасе и Токио.
«Движущиеся истории»/Moving Stories, 2011, 7 минут
Фильм Николаса Провоста и Contour Mechelen
Музыка Евгения Гальперина
Звукорежиссер Сеньян Янсен
При поддержке Аудиовизуального фонда Фландрии (Flanders Audiovisual Fund)
Предоставлено галереей Tim Van Laere, Антверпен
Если выпало в империи родиться, лучше жить в глухой провинции у моря. Иосиф Бродский. Письма к римскому другу
Костя Петрук начал фотографировать в 2006 году. Снимки делает на цифровые Canon A610, Canon 30D и пленочный Pentax Spotmatic. «Городкурорт» - второе имя Владивостока. Это слово звучит four seasons, похмельным утром и соленым вечером. Сопровождает ночные заплывы в темноту и поедание пян-се под палящим дневным на островном пляже. В Городекурорте 310 солнечных дней в году и очень мало туристов – они превращаются в местных, как только ГК поворачивается к ним лицом (при посредничестве коренных party people Владивостока можно заглянуть в беспокойную душу города сквозь девушек и закаты). В Городекурорте любят бодиарт и маскарады, 15-сантиметровые шпильки, модные крайности и качественный алкоголь. Предпочитают черно-белые фотографии, потому что цвет отвлекает от сюжетов и хедлайнеров. Приключения и впечатления здесь в ассортименте и на развес – каждый берет столько, сколько может вынести. Городкурорт – это стихия и форс-мажор. В таком месте принято иметь много полюсов и профилей – например, быть антигламурным хроникером городских пятниц и, между делом, развиваться в направлении фэшн-фотографии. Главное – верить в городокурортную изюминку, которую никто не может определить словами, но увозит с собой на коже как родинку, что перестает ныть только на определенной географической широте. Два десятка работ из уже начатой, но еще далеко не законченной серии Петрука «Городкурорт» в лаунже ЦСИ ЗАРЯ с 25 октября в рамках проекта-портфолио «Имена»..
Хорошие новости/плохие новости, 2013, двухканальное видео, 13 минут 3 секунды
Кинозал Центра современного искусства ЗАРЯ, пн – чт: с 12:00 до 20:00, пт – вс: с 11:00 до 22:00
Центр современного искусства ЗАРЯ и Artprojx Cinema представляют новую работу видеохудожницы Меридит Дэнлак «Хорошие новости/плохие новости» / Good News/Bad News. Третье видео в рамках «Киносерии», цикла работ Дэнлак, исследует кинематографические тропы и актерские шаблоны - веками наработанные приемы имитации реальной жизни на экране. Как выглядят чувства в кино? В фокусе ХП/ПН - нарратив ожидания и реакции людей на радостные и печальные события. Для участия в проекте художница отобрала пятнадцать киноактеров с различным профессиональным опытом, амплуа, характеристиками возраста и внешности, сообщила короткие вводные по сценарию фильма и дала минимальные комментарии относительно деталей воплощения образа на экране. Каждый актер должен был предложить собственную интерпретацию реакции человека на хорошие и плохие новости – убедительно и с первого дубля. Для демонстрации результатов своего эксперимента Меридит Дэнлак выбрала самый логичный формат – двухканальное видео, которое позволяет нам в режиме реального времени сравнить отрицательные и положительные образы, созданные одним и тем же актером, понаблюдать за его/ее жестами, мимикой и текстом. Штампы сопровождают весь процесс: руки, закрывающие лицо, чтобы показать горе; нетерпеливые движения ногами, выражающие ликование; слова «да» или «нет»; степень интенсивности действий в кадре… Работа Дэнлак бескомпромиссно разоблачает ограниченность киноязыка средствами видеоарта, предъявляя зрителю своеобразный срез актерского мастерства и индивидуальности - практически одинаковую игру пятнадцати профессионалов.
Меридит Дэнлак/Meredith Danluck - выпускница нью-йоркской Школы визуальных искусств, участница биеннале в Ливерпуле и Венеции, выставок в Музее современного искусства королевы Софии (Reina Sofia Museum, Мадрид), Музее современного искусства MoMA (Нью-Йорк), Музея современного искусства Детройта MOCAD. Фильмы Дэнлак – неизменные фигуранты фестивальных программ Международного кинофестиваля в Торонто (Toronto International Film Festival), техасского фестиваля South by Southwest (SXSW), австралийского Byron Bay, Международного кинофестиваля в Гамбурге и нью-йоркского Фестиваля антропологических кино- и видеоработ имени Маргарет Мид. Весной 2008 года Дэнлак закончила свой первый полнометражный документальный фильм The Ride – историю о ковбоях, символическом образе американской идентичности; эта работа стала частью выставки «Американский Запад» в МоМА (Нью-Йорк, куратор Ева Респини). Одним из самых амбициозных видеопроектов Дэнлак, сатирически интерпретирующих культурные архетипы жителей сельской Америки, стал четырехканальный фильм «Север юга, запад востока» / North of south, West of East, выполненный по заказу Центра современной культуры Ballroom Marfa (Техас) и высоко оцененный отборщиками фестиваля Sundance 2013. Меридит Дэнлак живет и работает в Нью-Йорке, персональная выставка художницы, посвященная работам из «Киносерии», недавно завершилась в галерее Leslie Fritz (Нью-Йорк).
Годовой проект An Artist Focus Series – смотр главных образцов мирового видеоарта, инициированный Центром «Заря» совместно с Artprojx Cinema.
C 1 по 15 октября в кинозале Центра ЗАРЯ в рамках проекта An Artist Focus Series в сотрудничестве с компанией Artprojx пройдет российская премьера видео Ekki Mukk (2012, 10 минут 10 секунд) – фильма-победителя London Short Film Festival-2013. Видео о жизни и смерти, утрате ориентиров и обретении современным человеком истины в контакте с живой природой лондонский художник и режиссер Ник Абрахамс снял в духе сказки, ставшей частью экспериментального проекта Valtari Mystery, инициированного исландской пост-рок-группой Sigur Ros. Музыканты предложили 12 художникам и режиссерам сделать собственные видеоинтерпретации композиций с альбома Valtari на условиях полной творческой свободы и очень скромного бюджета (одинаково маленького для всех): «Мы никому не хотим говорить, в каком направлении работать, как чувствовать… по аналогии с нашей музыкой – ее характер исключает возможность программирования определенной эмоциональной реакции слушателя». Так Ник Абрахамс, несмотря на минималистичный стиль звучания группы, решил ввести в видео нарратив – историю трех персонажей: потерянного человека, мудрой улитки и раненого лиса. Их коммуникативный треугольник обнаруживает всю ограниченность человеческого мировосприятия и превращает 10-минутный клип в манифест против близорукости и эгоцентризма. Вербальный элемент намеренно сведен к минимуму на фоне сильного визуального ряда, основанного на последних достижениях документальной съемки дикой природы оператора BBC Мартина Дорна и подчеркнутом внимании к деталям. На фоне простого сельского пейзажа Англии история Абрахамса с завидной убедительностью, доступной только мастерам, рассказывает о вечных ценностях. Худшее из возможных по критериям поп-индустрии видео идеально гармонирует с «неземной» музыкой Sigur Ros, а в качестве действующих лиц соединяет известного актера Эйдена Гиллена («Прослушка»/ «Игра престолов») и фолк-певицу Ширли Коллинз, чей легендарный голос художник вложил в «уста» всезнающей улитки.
«Sigur Ros разрешили художникам делать все, что они хотят, - я захотел сделать это!» / Ник Абрахамс
Ник Абрахамс, художник и режиссер, живет и работает в Лондоне. Выпустил широкий спектр видеоработ – от музыкальных клипов Leftfield, Stereolab, Cornershop и Manic Street Preachers до видеоарта в сотрудничестве с лауреатом Премии Тернера художником Джереми Деллером (документальный фильм о фанатах DM «Наше хобби – Depeche Mode» и видеоскетч о британском художнике-оутсайдере «Опыт Брюса Лейси» по заказу Британского института кино). Недавно ретроспективу работ Ника Абрахамса показал лондонский Институт современного искусства, в настоящее время художник готовит к выходу свой первый полнометражный фильм.
Sigur Ros, пост-рок группа, основанная в Исландии 1994 году и известная своим специфическим звучанием и фальцетом вокалиста Йоуна Тоура Биргиссона. На фоне мировой популярности, участники коллектива уделяют большое внимание сохранению национальных традиций – в 2001 году Sigur Ros записали мини-альбом с исландским рыбаком, который на протяжении всех композиций читает под музыку классическую поэзию римюр (rímur); все тексты альбома Ágætis byrjun (2002) созданы на основе языка Vonlenska, сконструированного из бессмысленных слогов, сходных с фонологией исландского языка. На родине Sigur Rós известны серией бесплатных неанонсированных концертов, которые на протяжении лета 2006 музыканты играли на различных открытых площадках – в заброшенных бункерах, общественных кафе (эти концерты вошли в документальный фильм «Heima», вышедший в 2007). В мае 2012 вышел долгожданный Valtari – первый альбом группы после творческого отпуска, мелодичный, менее шумный и более аутентичный по сравнению с предыдущими релизами; а затем последовал Kveikur – альбом 2013, доступный для прослушивания онлайн на официальном сайте Sigur Ros.
Кинозал Центра современного искусства ЗАРЯ
2012, 2 минуты 18 секунд
В работе «Эхо-парк» и других видео последних лет британская художница Сюзанна Уаллин анализирует феномен развлечений – хладнокровный исследовательский интерес вытаскивает на обозрение квинтессенцию адреналинового удара, который неизменно сопровождает экстремальный телесный опыт катания на аттракционах свободного падения. Крики, вдавленные в сиденье тела, брекеты, впивающиеся в плоть нервно сжатых губ, замирание сердец – нелицеприятная сторона рискованных «удовольствий» в работе Уаллин обретает красоту нового измерения. Видео высоких скоростей, размазанных лиц, растрепанных волос, сознания, лишенного мыслей, фиксирует наслаждение на грани страха, рождает опыт нового визуального импрессионизма в круговороте железа и плоти, за пределами традиционных представлений об удовольствии и красоте. Сюзанна Уаллин живет и работает в Лондоне и Нью-Йорке, обладательница множества грантов и премий, в числе которых London Artists Film and Video Award 2007, UK Film Council, Channel 4, Arts Council England, Independent Photography and Arte.
При поддержке продюсерской компании Artprojx
6 сентября – 31 октября в выставочном зале Центра современного искусства ЗАРЯ, вход свободный
Понедельник – четверг, 12:00 – 20:00
Пятница – воскресенье, 11:00 – 22:00
6 сентября в Центре современного искусства ЗАРЯ при поддержке Политехнического музея, компании «Синергия» и «Роял Кредит Банк» откроется выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА - проект научной реконструкции шумовых аппаратов, разработанных в первой половине XX века для акустического оформления театральных постановок, радиопередач и первых звуковых фильмов. Шумовые инсталляции, выполненные по чертежам эпохи авангарда и новые объекты, разработанные специально для Владивостока коллективом Музыкальной лаборатории композитора Петра Айду, превратят молодое выставочное пространство Центра ЗАРЯ в лабораторию «театра шумов». В интерактивном пространстве экспозиции каждый желающий сможет самостоятельно повторить звуковые опыты авангардистов и придумать новые шумовые симфонии, извлекая из экспонатов звуки метели, дождя, грома, конных экипажей, пулеметной очереди, пения сверчка, стрекота кузнечика, чердачных скрипов, трепета парусов и других природных, батальных и индустриальных шумов.
В европейской культуре музыка и шум традиционно противопоставлены друг другу, как порядок и благозвучность в оппозиции хаосу и дисгармонии. Лишь в ХХ веке, когда повседневная жизнь человека наполнилась огромным разнообразием новых, неожиданно мощных по силе, громкости и выразительности шумов, они впервые обрели право на автономное художественное значение. От футуристов, Сати и Кейджа, до индастриал, техно и современных форм саунд-арта протянулась история шума как нового звукового языка. Российские художники, режиссеры и музыканты оказались в авангарде этого процесса (Авраамов, Каменский, Эйзенштейн, Вертов и другие). Среди них были и малоизвестные, даже искушенным исследователям, изобретатели шумовых машин. Рассматривая шум как важный элемент драматургии спектакля, А. Петров, В. Попов, Г. Волынец и другие конструкторы и, зачастую, театральные актеры в своей основной ипостаси, создавали целые шумовые ансамбли, способные реалистично передать самые разные звуковые явления. С приходом в театр и кино записанного звука эти эксперименты остановились.
Сегодня, благодаря участникам Музыкальной лаборатории, богатейшую палитру акустических шумов можно изучить в прямом взаимодействии с реконструкциями звуковых машин начала-середины XX века. Инсталляции, созданные в рамках проекта, призваны жить в качестве инструментов активного взаимодействия со зрителями-слушателями, отзываясь на разные типы звукоизвлечения и комбинации. Демонстрация шумовых аппаратов в выставочном пространстве открывает их неожиданный художественный потенциал – внутри экспозиции каждая машина приобретает качество современной саунд-скульптуры, а топографическое расположение объектов создает среду шумовой лаборатории. Так, свойственное для прошлого века оформление театральных/кинематографических сцен оборачивается в новом контексте драматургией звука в пространстве. Выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА предстает тотальной звуковой инсталляцией, в пространстве которой каждый гость имеет возможность стать творцом собственной звуковой среды, найти аккомпанемент природным стихиям в индустриальном ландшафте, и услышать за мирным скрипом входной двери ружейные выстрелы и лязг танков.
Петр Айду, автор и руководитель проекта
Евгения Воробьева, продюсер
Елизавета Равдель, архитектор выставки
Константин Дудаков-Кашуро, соавтор, научный консультант
Выставочный зал Центра современного искусства ЗАРЯ, вход свободный
Понедельник – четверг, 12:00 – 20:00
Пятница – воскресенье, 11:00 – 22:00
6 сентября в Центре современного искусства ЗАРЯ при поддержке Политехнического музея, компании «Синергия» и «Роял Кредит Банк» откроется выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА - проект научной реконструкции шумовых аппаратов, разработанных в первой половине XX века для акустического оформления театральных постановок, радиопередач и первых звуковых фильмов. Шумовые инсталляции, выполненные по чертежам эпохи авангарда и новые объекты, разработанные специально для Владивостока коллективом Музыкальной лаборатории композитора Петра Айду, превратят молодое выставочное пространство Центра ЗАРЯ в лабораторию «театра шумов». В интерактивном пространстве экспозиции каждый желающий сможет самостоятельно повторить звуковые опыты авангардистов и придумать новые шумовые симфонии, извлекая из экспонатов звуки метели, дождя, грома, конных экипажей, пулеметной очереди, пения сверчка, стрекота кузнечика, чердачных скрипов, трепета парусов и других природных, батальных и индустриальных шумов.
В европейской культуре музыка и шум традиционно противопоставлены друг другу, как порядок и благозвучность в оппозиции хаосу и дисгармонии. Лишь в ХХ веке, когда повседневная жизнь человека наполнилась огромным разнообразием новых, неожиданно мощных по силе, громкости и выразительности шумов, они впервые обрели право на автономное художественное значение. От футуристов, Сати и Кейджа, до индастриал, техно и современных форм саунд-арта протянулась история шума как нового звукового языка. Российские художники, режиссеры и музыканты оказались в авангарде этого процесса (Авраамов, Каменский, Эйзенштейн, Вертов и другие). Среди них были и малоизвестные, даже искушенным исследователям, изобретатели шумовых машин. Рассматривая шум как важный элемент драматургии спектакля, А. Петров, В. Попов, Г. Волынец и другие конструкторы и, зачастую, театральные актеры в своей основной ипостаси, создавали целые шумовые ансамбли, способные реалистично передать самые разные звуковые явления. С приходом в театр и кино записанного звука эти эксперименты остановились.
Сегодня, благодаря участникам Музыкальной лаборатории, богатейшую палитру акустических шумов можно изучить в прямом взаимодействии с реконструкциями звуковых машин начала-середины XX века. Инсталляции, созданные в рамках проекта, призваны жить в качестве инструментов активного взаимодействия со зрителями-слушателями, отзываясь на разные типы звукоизвлечения и комбинации. Демонстрация шумовых аппаратов в выставочном пространстве открывает их неожиданный художественный потенциал – внутри экспозиции каждая машина приобретает качество современной саунд-скульптуры, а топографическое расположение объектов создает среду шумовой лаборатории. Так, свойственное для прошлого века оформление театральных/кинематографических сцен оборачивается в новом контексте драматургией звука в пространстве. Выставка РЕКОНСТРУКЦИЯ ШУМА предстает тотальной звуковой инсталляцией, в пространстве которой каждый гость имеет возможность стать творцом собственной звуковой среды, найти аккомпанемент природным стихиям в индустриальном ландшафте, и услышать за мирным скрипом входной двери ружейные выстрелы и лязг танков.
Петр Айду, автор и руководитель проекта
Евгения Воробьева, продюсер
Елизавета Равдель, архитектор выставки
Константин Дудаков-Кашуро, соавтор, научный консультант
Кинозал Центра современного искусства «Заря», вход свободный
1–15 августа
«ВЗГЛЯД НА МЕРТВОЕ»/DEADSEE, 2005. HD-видео, 11 мин 39 сек
16–31 августа
«СОЛЯНОЕ ОЗЕРО»/SALTED LAKE, 2011. HD-видео, 11 мин 04 сек
Два лучших видео израильской художницы Сигалит Ландау по праву заслуживают статус video art masterpiece — сочетая память о боли и мечты о мире, на протяжении последних двадцати лет Ландау создает незабываемые, трагически-прекрасные видеопортреты современного Израиля. Историю государства, живущего в состоянии войны, в бесконечных судорогах от террористических атак, без четких границ и перспектив, художница переводит в плоскость эстетически безупречных визуальных метафор. В ее работах открытые раны израильских солдат — сладкая плоть разбитых арбузов, песчаный берег — поверхность для преступлений, следы которых немедленно смоет волна, соль Мертвого моря — символ Завета между Богом и людьми, средство очищения совести и души, инструмент спасительной самоконсервации.
СИГАЛИТ ЛАНДАУ / SIGALIT LANDAU (родилась в Иерусалиме в 1969 году, живет и работает в Тель-Авиве) — одна из крупнейших художниц Израиля, выпускница иерусалимской Академии искусств и дизайна Безалель (1995). Работает в различных медиа (графика, скульптура, видео и перформанс), исследуя ряд социальных, гуманитарных и экологических вопросов, в частности, тему бездомных, изгнанников, отношений между жертвой и палачом, процессами смерти, распада и роста. Сигалит Ландау дважды представляла Израиль на Венецианской биеннале (в 1997 и 2011 годах), ее работы были показаны в крупнейших музеях мира: нью-йоркском МоМА (персональная выставка [проект 87], 2008), берлинском Институте медиаискусства KW («Выставка одной женщины», 2007) и парижском Центрe Помпиду — здесь видео и инсталляции Сигалит Ландау, наряду с работами Эвы Гессе, Луис Буржуа и Марины Абрамович, были представлены в проекте «Женщины в искусстве» в 2010 году.
sigalitlandau.com
Кураторы серии: Дэвид Грин (Лондон) / artprojx.com и Катя Крылова
